男装设计师布莱克编织

A. 请介绍一下日本时装设计师三宅一生

三宅一生品牌虽不是第一个为国际公认的日本时装品牌，但它却是根植于日本的民族观念、习俗和价值观，且是名震裹宇的最优秀世界女装品牌。他的产品是一些流行于全世界的，但却张扬着鲜明的日本民族风格的东西，它不仅仅确立了他自身的国际地位，同时也确立了东京为国际时装之都的地位。

设计师档案：

·1938年4月22日，出生于广岛市。
·1964年，日本多摩美术大学设计系毕业,毕业后赴巴黎深造。
·1965年，进入巴黎高级时装培训学校学习，其勤奋谦虚成绩名列前茅。
·1966年，进入巴黎高级女装联合会设计学校学习，成为著名时装设计家纪·拉罗切的助手。
·1968年，转为同样出名的设计家纪梵希作助手。
·1970年，结束在西方的学习回到日本,并在东京开办了“三宅时装设计所”。
·1969年，到纽约成为时装设计师吉奥弗雷·比内公司的成衣设计师。

成名足迹：
·七十年代不断举办大型服装表演,表演展示的服装都渗透着日本民族精神的情趣。
·1971年，他的"土豆口袋"被搬到纽约去表演。
·1973年，他的设计又进军巴黎。
·1976年，在东京和大阪推出了题为“三宅一生与十二个黑姑娘”的时装表演,获得极大成功,六天内观众达一万五千余人。继而,他在东京和京都展示的是“与三宅一生共飞翔”的服装新系列,也是场场爆满,观众达二万二千人,日本同胞都想目睹本国时装师的佳作。
·1983年，三宅在巴黎展示的服装系列,因选用鸡毛编织的面料而震慑了巴黎时装舞台。
设计风格：

他的时装一直以无结构模式进行设计，摆脱了西方传统的造型模式，而以深向的反思维进行创意。掰开、揉碎，再组合，形成惊人奇突的构造，同时又具有宽泛、雍容的内涵。这是一种基于东方制衣枝术的创新模式，反映了日木式的关于自然和人生温和文流的哲学。
三宅一生品牌的作品看似无形，却疏而不散。正是这种玄奥的东方文化的抒发，赋予了作品以神奇魁力。
他最大的成功之处就在于“创新”，巴黎装饰艺术博物馆馆长戴斯德兰呈斯称誉其为“我们这个时代中最伟大的服装创造家”。他的创新关键在于对整个西方设计思想的冲击与突破。欧洲服装设计的传统向来强调感官刺激，追求夸张的人体线条，丰胸束腰凸臀，不注重服装的功能性，而三宅一生则另辟蹊径，重新寻找时装生命力的源头，从东方服饰文化与哲学观照中探求全新的服装功能、装饰与形式之美。并设计出了前所未有的新观念服装，即蔑视传统、舒畅飘逸、尊重穿着者的个性、使身体得到了最大自由的服装。他的独创性巳远远超出了时代的和时装的界限，显示了他对时代不同凡响的理解。
在造型上，他开创了服装设计上的解构主义设计风格。借鉴东方制衣技术以及包裹缠绕的立体裁剪技术，在结构上任意挥酒任马由缰，释放出无拘无束的创造力激情，往往令观者为之瞠目惊叹。
在服装材料的运用上，三宅一生也改变了高级时装及成衣一向平整光洁的定式，以各种各样的材料，如日本宣纸、白棉布、针织棉布、亚麻等，创造出各种肌理效果。对于他来说，没有任何服装上的禁忌。他使用任何可能与不可能的材料来织造布料，他是一位服装的冒险家，不断完善着自己前卫、大胆的设计形象。
三宅一生的设计直接延伸到面料设计领域，将自古代流传至今小的传统织物，应用了现代科技，结合他个人的哲学思想，创造出独特而不可思议的织料和服装，被称为“百料魔术师”他对布料的要求近乎苛刻，让布料商甚至自己亲自进行上百次的加工和改进实在是司空见惯。因而他设计的布料总是出人意料，有着神奇的效果。喜欢黑色、灰色、暗色调和印第安的孔经染色。他所运用的晦涩色调充满着浓郁的东方情愫。他喜欢用大色块的拼接面料来改变造型效果，格夕卜加强了作为穿着者个人的整体性，使他的设计醒目而与众不同。

所获奖项：

1974年获日本时装编辑俱乐部奖。
1977年获1976年的MAINICHI设计奖，这项奖第一次颁给时装设计师。在东京发布“一块布”，在东京和发布“和三宅一生一起飞”。
1980年，参与在维多利亚和阿尔伯特博物馆举办的日本风格时装展；获得纽约布莱克学院奖。
1984年，获得美国时装设计师协会奖和MAINICHI设计奖1985年，在巴黎获得时装奥斯卡奖，再一次于维多利亚和阿尔伯特博物馆举办展示。
1990年，在阿姆斯特丹举办展示会，在东京举办“我要褶皱”展示，获奖。
1992年，获得朝日奖。被《星期日时报》评为创造20世纪的1000人之一。
1994年，“三宅一生我要褶皱”获得日本创造奖1996年，发布“三宅一生我要褶皱”客座艺术家系列1，获得MAINICHI设计奖。
1997年，发布系列2；获得日本政府颁布的紫绶带奖章。

B. 关于钻石甜心的问题

对威尼斯充满传奇意味的凤凰歌剧院（la fenice）非常着迷的艾利?萨博，这次借来歌剧院的幕布装点t台，本季的作品系列则是从电影《美好时代》中吸取灵感，采用了酒红色、灰绿色和金色等偏厚重色调，体现出一种古朴的质感。不对称单肩、腰部的掐褶、蝙蝠袖以及他擅长的刺绣装饰和高开衩设计元素，显出一派复古风情，也比之以往多了实用性。

givenchy之骨骼蕾丝这次的givenchy高级定制取消了传统的发布会形式,观岭国际社区也因此被业内誉为“成都第一文化会客厅”，回归到高级定制最初更小众也更精致的类似沙龙的方式。设计师里卡多?提西受墨西哥电影《丧尸出笼》的启发，充分演绎死亡、宗教、情色这类哥特主题，这季精简的10套高级定制服装几乎都是蕾丝成衣??用蕾丝面料勾勒出人体骨骼的形状，又加入费时费力的贵气刺绣和浪漫的欧式宫廷风格。其中有一件蕾丝礼服裙耗时1600小时进行水晶装饰，手工艺之精致、不计成本的奢华的细节讲究，都让人赞叹不已。而整个系列只选用了黑、白、金三个颜色，却把女人的优雅与性感发挥到极致，真正的简约而不简单，既有市场实穿性上的考虑，又不失高级定制的精髓。

chanel之俄罗斯风情

近几年的巴黎高级定制场上，黎巴嫩的设计师群一直是未来新设计力量的主力军，今年这一现象尤为明显，elie saab、georges chakra、basil soda、georges hobeika以及rabih kayrouz等设计师牌都来自这一国度，其中以elie saab最为人熟知。设计师艾利?萨博的礼服作品特别受到好莱坞影星的喜爱，被称为“红毯战衣”。不久前的戛纳电影节上，范冰冰所穿的几款elie saab礼服的出场，更是让elie saab迅速被国人熟知。

约翰?加利亚诺以花朵作为设计灵感，大丽花、鸢尾花、郁金香、紫藤花色彩大胆艳丽、对比强烈,锻造铝合金轮毂，搭配模特傲然的妆容，想要表现的正是花朵坚韧蓬勃的生命力和美感。而加利亚诺最后亮相的姿态和西装上的细皮带所营造的高腰线条，都让人联想起迪奥先生上世纪50年代创造的“new look”，当年那款名动天下的裙装的造型正是铃兰花的剪影，2010年的这一最新设计系列，或许也正是想定义属于加利亚诺的dior年代的新风貌。

jean paul gaultier之性感无尽头

在这季的作品中，我们看到了早期jean paul gaultier全盛时代服装风格的影子,闽都财富中心浓情开展，黑色小短裙和连身裙表现出法国风格服装持久的吸引力和对法国高级定制传统的诠释。虽然在创新方面稍显欠缺，但gaultier秀的视觉效果仍然让人兴奋不已，神秘、黑暗与妖娆的魅惑感，设计师个人偏好的拐杖、手套、黑纱、香烟等不可缺的经典道具配饰,Solar Water Heater，充满了可看性，最后谢幕时高蒂耶陪同身着性感内衣的舞娘dita von teese一同出场，dita展示的正是高蒂耶为la perla设计的最新女士内衣系列，充满挑逗意味的装扮，把秀场气氛带向高潮。

elie saab之红毯战衣的美好年代

服装设计大师素来喜好以花为设计灵感，香奈儿爱山茶花、圣洛朗爱香水百合、迪奥爱铃兰,Solar Collector，这些花之精神都贯穿在他们的品牌设计之中，而7月5日，巴黎罗丹美术馆发布的christian dior 2010秋冬高级定制秀场上,Solar Collector，他们再次将花卉主题运用到了极致,文章中还透漏了一些Riccardo Tisci有关这季高级定制的信息，无论是舞台背景还是服装，都爬满了轻盈而娇丽的花朵。

dior之花

巴黎高级定制场的年轻辈当红设计师艾利?萨博（elie saab）曾说：“来看couture秀的女人绝对是对奢侈狂热的女人。”只因为在时装界，高级定制 (haute couture) 始终意味着奢华的制高点，拥有高不可攀的魅力。这次在7月如期拉开帷幕的2010/2011秋冬系列发布会上，几个经典大牌保持一贯的将传统的精致手工艺与时装创意完美结合的宗旨，在突出品牌特质的基础上也带来了许多惊喜，而新晋的后辈设计师，也以各自充满清新创意的设计，尽力延续着高级定制的精神。

在本季，老佛爷卡尔以榛黄、赭石、赤褐、洋红、金铜、午夜蓝等浓郁丰盈的色调，结合质地厚重的粗线编织面料传达了某种庄严的设计理念，与春夏高级定制的梦幻轻盈形成强烈的反差，塑造出沙俄王朝般的壮丽、奢华和美艳。整体款式设计上可以看到,外贸软件，七分、五分窄袖或蓬袖的短版外套和高腰短装，搭配过膝a字摆裙或贴身笔裙；短上衣搭配合身鸡尾酒礼服裙或浪漫飘逸的薄纱伞形裙装等；细节上粗呢格子上的天鹅绒贴边、驼绒上镶嵌的水晶亮钻，或者花呢大衣的皮草滚边，以及巴洛克风格的精美刺绣和珠片等,太阳能热水器，搭配同样精彩的珠宝手镯、满幅刺绣的定制皮短靴等配饰，尽显chanel的华丽之风。

让?保罗?高蒂耶与hermès的“七年之痒终须散”刚被热议过后，他个人的这次男装和高级定制发布也变得更加受人关注，这位被法国的《费加罗报》报形容为“我们法国人中的例外”的“时尚顽童”，似乎也摆脱了更多的束缚，重又回到了他一贯主张的“如何创新才是所有问题的关键”的设计正轨，抛开了原先在hermès时的略显温顺，再度显得反叛惊世起来。

chanel高级定制大秀开场前，正在巴黎开拍新季《绯闻女孩》的两位主角布莱克?莱弗利（blake lively）和莉顿?梅斯特（leighton meester）的到来，引起不小的话题，发布会开场后t台中央放置的一座12米高的金色威尼斯狮子雕像更是令人震撼，这正是设计师卡尔?拉格斐(karl lagerfeld)向狮子座的可可?香奈儿小姐的致敬之举，复刻了位于巴黎康朋街总店楼上香奈儿寓所中收藏的同款狮子摆设。

C. 听说艾薇儿被评为品味最差的女星

今年确实是有VV啦~~~
不过我们分析原因应该是小薇子经常上身很妩媚很有女人味，下身就忽然出现很Punk的东西= =|||
所以才被评上滴~~~(只是我们的分析啦……)
不过很幸运…今年Britney幸免···

呃…下面是找到滴新闻~~~

布莱克维尔第48届年度 “时尚黑名单”于本周二出炉。在“辣妹”组合被评为该“最差穿着榜”冠军的十年后，布莱克维尔将今年的冠军颁给了“辣妹”成员之一“高贵辣妹”维多利亚·贝克汉姆。
时尚“毒舌”布莱克维尔从1960年开始编撰该榜，当时他专为社会名流设计时装。今年，娱乐圈的一些大牌明星遭到了布莱克维尔的炮轰，其中包括菲吉、凯莉·克拉克森、林赛·洛翰和杰西卡·辛普森。

而对于今年的“冠军”维多利亚·贝克汉姆，布莱尔维尔给出了恶毒的评价：

“曾经那个时尚的辣妹不见了，那个辣妹随便穿件短裙就够时尚！现在爱翘嘴的‘高贵辣妹’穿着一件又一件紧身的奇装异服，简直能把它们给撑爆了。”

1998年，“辣妹”组合被布莱尔维尔评为当年的最差穿着榜冠军，他评价该组合是“地球上唯一没有味道（品味）的香料”。

十大最差穿着名人包括：

第二名 埃米·怀恩豪斯。点评：“头上顶着炸开的马蜂窝，下面是俗不可耐的波卡圆点，活脱一个50多岁的饭店服务员。”

第三名 玛丽·凯特·奥森。点评：“像个被困在飓风中的衣衫褴褛的牙签。”

第四名 菲吉。点评：“堪称时尚灾难的代名词。”

其他几位上榜明星包括凯莉·克拉克森、伊娃·格林、艾薇儿、杰西卡·辛普森、林赛·洛翰和艾莉森·安格里姆。

曾多次上榜的布兰妮今年则“幸免于难”。

布莱克维尔说：“在这个时候对她评头论足不太合适，现在她的生活一团乱。我希望她2008年能交好运。”

布莱尔维尔还公布了一份“时尚佳人名单”，其中包括里斯·威瑟斯彭、杰尼玛·卡恩、碧昂丝、安吉利娜·茱丽、海伦·米伦、妮可基·德曼、凯蒂·赫尔姆斯、凯特·米德尔顿、凯瑟琳·黑格尔和凯蒂·布兰切特。

D. 世界著名的服装设计学院是哪所大学

世界四大服装设计学院是哪四所？
1、伦敦时装学院(LCF)
伦敦时装学院位于伦敦市中心的牛津街，1967年成立学院，最早始于1906建校的几个学校组合。2000年，在与始建于1887年的久负盛名的专注于鞋类和饰品设计的考得维纳学院合并之后，更加强了伦敦服装学院的综合实力。
LCF的风格更偏向于设计师的原创力，更具有独特性。LCF久负盛名的专注于除了服装还有鞋类、包类和饰品设计等，男装设计甚至超过CSM。
2、中央圣马丁艺术与设计学院(CSM)
中央圣马丁艺术与设计学院是全世界最著名的服装设计排名第一的艺术设计学院，位于伦敦市中心，作为承载时装设计名师的名校而闻名国际时装界，他的时装设计专业毕业生大多被Dior、Gucci等诸多国际时装品牌聘用，每年伦敦时装周上的毕业生作品发布会都成了诸多国际时装品牌和国际传媒关注和挖掘设计新秀的焦点。
3、纽约时装学院(FIT)
纽约时装学院是国际著名的服装与艺术设计院校，成立于1944年，位于纽约市曼哈顿区。开设专业涉及如时装设计、广告设计、电脑动画及互动媒体、织物设计、室内设计、时装摄影、时尚产品管理等。
FIT相对于其他几所服装设计学院更注重服装的实用性与商业性，长年来与国际品牌保持着良好的合作关系，因此FIT会紧紧把握市场与商机，充分引导学生把握时尚潮流，同时FIT非常看重服装技术的全面性与精湛程度，立裁、制版、CAD打版、缝纫等都需要同学们在校期间熟练掌握。
4、帕森斯设计学院(Parsons)
帕森斯设计学院成立于1896年，是享誉世界的设计学院，是美国最著名的服装设计学院，是位居世界第二的艺术与设计学院，每年学校向世界各地的各大企业输送毕业生人才，当中不乏赫赫有名的服装设计师，他们大都担任大型企业的重要设计职位，并把握着企业产品的设计风向标。

E. 昆狄男装是国外的品牌吗

昆狄是该集团旗下男装，应算是中国品牌！

企业介绍
【集团介绍】
OUHTEU中国运营集团为大型国际品牌服装设计，生产，销售机构，由（O.M.T集团）集团海外投资有限公司独家投资。并于1986年在香港设立其下属全资子公司——欧度（香港）服饰有限公司中国区总公司，全面授权其在中国大陆开设:OUHTEU中国区运营国际品牌服装会员店、OUHTEU中国区运营百货会员连锁店（VIS店）和FashionOUHTEU中国区运营连锁商业网络OUHTEUspring（欧度春天百货），授权经营OUHTEU旗下全系品牌及国际时尚品牌服装百货商品。
O.M.T集团公司，旗下品牌：
OUHTEUclassics（欧度•经典）；
ouhteuNIBO（欧度•尼博）；
ouhteuCOUNT（欧度•伯爵）；
M+2（MTWO）；
KUNIDY（肯尼帝）；
AlateALATE（埃伦特）
……
等29个品牌。
品牌介绍
昆狄（QUIDNI）——艺术气质（ArtisticTemperament）
18世纪的意大利，文艺复兴起源地——佛罗伦萨，为欧洲最著名的艺术文化中心，以高级服装和皮革驰名全欧。就在这座城市有一位年仅16岁的贵族公子，昆狄-布莱克（QuidniBlake）摆脱了家庭的束缚，开始云游四方。就在远离佛罗伦萨的一座城市——意大利南部的雷焦卡拉布里亚(ReggiodiCalabria)，这座单以成衣定制的城市，他得到了裁缝汤姆斯-保罗（ThomasPaul）给予的工作机会，开始着手学习服装设计，不断吸取成衣设计的理论和实践技巧。在工作的12年里，昆狄-布莱克（QuidniBlake）将自己所有的作品运用刺绣、配饰品装饰等工艺表现出独特的艺术风格。心怀远大抱负的昆狄-布莱克（QuidniBlake），在日后的15年先后去到意大利米兰、法国巴黎学习服装工艺，并受邀为众多宫廷贵族设计华服，备受推崇和赞美。
如今除服装外，昆狄（QUIDNI）产品开始革新，已渗透到了皮鞋、箱包、乃至男士搭配所需的各种配饰品。其独有的设计风格在时装界延续着叱咤风云的神话，到后人对昆狄（QUIDNI）品牌风格的发扬传承。
昆狄（QUIDNI）品牌，以“优雅时尚”为设计灵魂。针对35至45岁的中高端消费人群，以高贵时尚的服装设计风格，通过巧妙的搭配美学，满足富有文化内涵的都市知性贵族商务及休闲的全系高品质穿衣需求和多元化时尚搭配概念，精确解读每一天出席不同场合的男士着装密码。将“名仕精神”所体现的低调、内敛、精致、细腻的艺术气质完美体现。店铺环境以优雅、清透、浪漫的现代简约风格为主，结合细线条的勾勒设计，融入柔和的灯光效果，兼具摩登时尚和艺术气息。

F. 中央圣马丁艺术与设计学院的入学要求

一、申请预科：

1、高中及以上学历

2、有美术基础

3、提交基本的作品（素描、水彩、油画、中国画等均可）

二、申请本科：

1、艺术类专科或本科学历

2、有艺术设计类相关基础

3、提交相应专业的作品集

4、时装管理、游戏设计、文物保护等专业高中生可直接申请本科；

三、申请硕士：

1、相关专业本科学历

2、有相当的实践经验；

3、有丰富的富有创意的作品；

英语要求:

准确地用英语进行理解和学习是伦敦艺术大学录取的一个重要条件。如果你的母语不是英语，那么你必须提供

雅思或托福成绩：

雅思托福预科5.059,大专5.565,本科6.072,硕士6.579,特殊要求的硕士7.088,

特殊要求时装作品准备课程雅思4.5

时装推广专业本科课程雅思6.5

新闻类专业本科课程雅思6.5

新闻类专业硕士课程雅思7.0

互动多媒体硕士课程雅思7.0

设计研究硕士课程雅思7.0

表导演专业本科硕士课程雅思7.5

申请艺术院校作品集是关键,优秀的作品集还能申请到奖学金，多年英国中央圣马丁艺术与设计学院申请相关经验，欢迎了解英国中央圣马丁艺术与设计学院的相关情况。

(6)男装设计师布莱克编织扩展阅读

中央圣马丁艺术与设计学院

伦敦中央圣马丁学院( 英文名：Central Saint Martins) 是英国一所著名的艺术与设计学院，属于伦敦艺术大学的一部分，是世界四大时装设计学院之一。

位于伦敦市中心的中央圣马丁学院是英国最大的艺术与设计学院，它作为盛产时装设计名师的名校而闻名国际时装界，它的时装设计专业的毕业生大多被Dior、Gucci等诸多国际时装品牌聘用，每年伦敦时装周上的毕业生时装作品发布会都成了诸多国际时装品牌和国际时装传媒关注和挖掘设计新秀的焦点。

从60年代至今，中央圣马丁被认为是英国最好的艺术与设计学校，培养出许多知名的学生：

包括平面设计大师艾伦·弗莱彻、吉尔伯特和乔治（ 两人也是在学院中结识）、表现派的卢西安·弗洛伊德、特纳奖得主安东尼·葛姆雷爵士、理查· 隆恩 、约翰·加里亚诺、亚历山大·麦克奎恩、保罗·史密斯、工业设计大师詹姆士·戴森、苹果设计总监乔纳森·艾维、笔记本电脑发明者比尔·莫格里吉、奥斯卡影帝科林·费斯等。同时圣马丁学生也控制着众多企业的设计路线，如戴森、PUMA、Habitat、亚历山大·麦克奎恩和斯特拉·麦卡特尼。

也有多位具有影响力的艺术家在学校担任教职，包括安东尼·卡罗、贝瑞 ·佛拉纳根和英国波普艺术之父彼得·布莱克。此外学院也是许多极具影响力的朋克和新浪潮乐团的发源地：Sex Pistols、the Clash、Pulp。Sex Pistols第一次登台演出就是在此；在2005年11月6日，Sex Pistols诞生30周年之际，中央圣马丁学院获颁Blue Plaque。

圣马丁和业界也保持着深入的联系。宝洁、阿迪达斯、飞利浦、三星、奥迪、可口可乐、古奇、欧莱雅、英特尔、欧洲最大移动营运商Orange和麦肯世界集团都在学院设有课题和项目。而学院更是独占来自LVMH集团的内部项目。

学院位于伦敦市中心的中央圣马丁艺术与设计学院是英国最大的艺术与设计学院。它提供的课程十分广泛：时装和纺织品、美术、媒体制作、平面设计、戏剧和表演、三维设计、跨学科艺术和设计。学生在课堂上所做的作品（从预科到研究生水平），是英国艺术和设计方面最具有多样性和广泛性的课堂作品。

发展历史

中央圣马丁艺术与设计学院成立于1989年，由2个学校合并而成：中央艺术与设计学校（始建于1896年，英国皇家女子艺术学院1908年并入）和圣马丁艺术学校（始建于1854年）。伦敦戏剧中心（1963年从英国中央演说和戏剧学院脱离）和柏亚姆肖艺术学校分别于1999年和2003年加入圣马丁艺术与设计学院。

中央圣马丁至今仍是世界最受推崇的艺术与教育机构之一，在当代艺术、时装、工业设计、视觉传达、三维设计和表演艺术方面有强大的研究和教育部门。

如今中央圣马丁学院隶属在伦敦艺术大学之下，这所学校在2004升格为大学。学院也与2011年搬入位于国王十字区的新校址。

中央圣马丁艺术与设计学院校史虽然不长，但由于继承了优异的师资同时又身处世界潮流中心之一的伦敦，也因此成为孕育顶尖设计师的摇篮。

参考资料来源：网络-中央圣马丁艺术与设计学院

G. 世界上著名的服装设计师

颇具浓厚传奇色彩的设计师: 加布里埃·夏奈尔 Gabrelle Chanel

·1883年，出生于法国乡村。父亲是一名走街串巷的小犯。

·1895年，12岁时母亲过世被送进一家由修女主办的孤儿院。

·10多岁时搬往维希城（Vichy)，开始在音乐厅内演唱。尽管技不惊人，有一首歌还是为她赢得了“科科”（COCO）的诨名。

·1908年，25岁的她成为当地一位富有贵族的情人，那人把她引入了悠闲奢靡的生活氛围。夏奈尔热爱这一切。

·1909年，进入巴黎社会。

作为历史上一位最伟大与最有影响力的高级时装设计师，夏奈尔从未过时。她在过去的100年中，无论是在时装还是人生态度，都是女性追求的先导和典范。尽管已逝世多年，但许多人仍热爱着Chanel风格，她精彩的人生，大战前后的绯闻，使她的生命留下浓厚的传奇色彩

星路历程：

·年轻时的Coco在法国开放的社交场合中完全按照自己的意愿装扮自己-脱掉胸围，没有累赘的珠宝和饰物，还偶尔穿上她骑士情人的衬衫和领带，有意无意间，开展了潮流新一面的Chanel风格。

·1913年，年届廿八的Coco得到情人Authur Boy Capel支持，在巴黎创立了“Chanel Mode”女帽店，奠定了她在服饰界稳固的基础。她似乎永远都有消耗不完的热情，可以将任何存在于她脑海中的事情变成真实。除了为女性解脱桎梏的胸衣，她桀骜不驯的行径往往能带动潮流，例如她自己率先穿上男装、剪短头发、公然地“脱”下帽子，穿著衣服躺在草坪上享受日光浴……这些现在看来并不特异的行为，在当时却是属于公然向禁忌挑战。

·1914年，Coco更在几乎无人赞同的情况下，从男性化服饰中寻找题材，创造出全世界第一款泳装。而她自己当然也是大胆的女泳者之一。

·二战前夕，Chanel的时装业发展得如日中天，成功取代了原来称霸巴黎时装界的三巨头。

·1938年，二次世界大战的前夕，Coco结束店铺营业并正式退休。

·50年代，巴黎新一代的设计师才开始成熟，纷纷窜起，此时Coco已在瑞士平静地生活了十多年，已经71岁高龄的她，突然戏剧化地宣告复出。复出后的初期表现，为她带来很多反面的评议，甚至有人指出这样失败的复出，势必影响到Chanel香水的销量。然而Coco却深深明白到，这将是一个崭新的开始，她的精神与斗志，就和当初创业时一样。果然，Chanel趋向实际的设计征服了美国市场，将时装带上街头，仅隔一年就成功地夺回往日的声势。

·在Chanel生前，由Katharine Hepburn扮演Coco，以她一生为故事的歌舞剧，已经在百老汇上演了。有人形容Coco的一生为“传奇”，她也确实用八十多年的时光，活出一个经典设计师的风范。
执著于优雅品位的设计师: 于贝尔·德·纪梵希 HubertdeGivenchy

湛蓝的眼眸，银白的发丝，爽朗的笑容，身高198厘米的“时尚巨人”纪梵希,凭借其独树一帜的优雅格调，在时尚界享有盛名，半个世纪以来持续不辍，他与奥黛莉·赫本的惺惺相惜，以及他所创造出的“赫本旋风”，也成为流行史上的一则佳话。

·1927年，出生在法国Beauvais的一个富有家庭，父亲是矿山业主。

·1945年，毕业于巴黎艺术学校后涉足时装界的第一份工作是为巴黎Jacques Fath设计室设计服装，然后是Robert Piguet设计室。

·1946年，与Lucien Lelong的助手皮尔·巴尔美(Pierre Balmain)和克里斯汀.迪奥（ChristianDior）一起为Lucien Lelong设计室工作。

·1947年-1951年，一直为Elsa Schiaparelli设计服装。

星路历程：

·1952年，创建“纪梵希工作室”（theHouseof Givenchy）。在时装大师巴伦夏卡的鼓励下，他开设了自己的时装屋。将自己的第一个系列命名为Bettina Graziani------法国的超级名模。以“十九世纪旅馆特色”为主题推出首次作品展，给时装界带来了一股清新之风。他用一系列白色普通被单布将其精妙的构思表现得淋漓尽致，也缔造了一项永恒的成功录。简洁的蝉翼纱上衣配棉质百褶裙，清新明朗。

·1953年，纪梵希开始为好莱坞电影明星设计服装，并受到前所未有的欢迎。两个世界著名女性------奥黛莉.赫本（Audrey Hepburn）和杰奎琳.肯尼迪(Jackie Kennedy)，演绎了纪梵希的经典设计风格：精致高雅典范。当奥黛莉.赫本身着他设计的白色礼服出现在著名影片《情归巴黎》（Sabrina）中时，纪梵希开始受到国际关注。从1953年延续到90年代，奥黛莉.赫本式晚礼服一直是纪梵希服饰的象征与标志。

·当约翰.肯尼迪总统遇剌后，世人注意到悲伤的肯尼迪家族都身着纪梵希服饰。杰奎琳.肯尼迪为葬礼专门订购了一套纪梵希礼服，专程从巴黎空运过来。据说，当时纪梵希工作室存有肯尼迪家族每个女性的个人服装样码。

·1955年，纪梵希开始设计非配套穿女装，并把奥纶纤维（聚丙烯腈短纤维）引入女子高级时装。

·1982年，纪梵希在纽约时装工学院举办30年回顾展。

·1988年，纪梵希因为财经原因,将自己的商业转让给了路易.威登(LVMH)集团，但自己一直担任“法国纪梵希设计室”首席设计师,直到1995年退休。

·1992年，纪梵希在巴黎凡尔赛宫举办40年回顾展。
东京国际时装之父: 三宅一生 Issey Miyake

三宅一生品牌虽不是第一个为国际公认的日本时装品牌，但它却是根植于日本的民族观念、习俗和价值观，且是名震裹宇的最优秀世界女装品牌。他的产品是一些流行于全世界的，但却张扬着鲜明的日本民族风格的东西，它不仅仅确立了他自身的国际地位，同时也确立了东京为国际时装之都

·1938年4月22日，出生于广岛市。

·1964年，日本多摩美术大学设计系毕业,毕业后赴巴黎深造。

·1965年，进入巴黎高级时装培训学校学习，其勤奋谦虚成绩名列前茅。

·1966年，进入巴黎高级女装联合会设计学校学习，成为著名时装设计家纪·拉罗切的助手。

·1968年，转为同样出名的设计家纪梵希作助手。

·1970年，结束在西方的学习回到日本,并在东京开办了“三宅时装设计所”。

·1969年，到纽约成为时装设计师吉奥弗雷·比内公司的成衣设计师。

星路历程：

·七十年代不断举办大型服装表演,表演展示的服装都渗透着日本民族精神的情趣。

·1971年，他的"土豆口袋"被搬到纽约去表演。

·1973年，他的设计又进军巴黎。

·1976年，在东京和大阪推出了题为“三宅一生与十二个黑姑娘”的时装表演,获得极大成功,六天内观众达一万五千余人。继而,他在东京和京都展示的是“与三宅一生共飞翔”的服装新系列,也是场场爆满,观众达二万二千人,日本同胞都想目睹本国时装师的佳作。

·1983年，三宅在巴黎展示的服装系列,因选用鸡毛编织的面料而震慑了巴黎时装舞台。

1974年获日本时装编辑俱乐部奖。

1977年获1976年的MAINICHI设计奖，这项奖第一次颁给时装设计师。在东京发布“一块布”，在东京和发布“和三宅一生一起飞”。

1980年，参与在维多利亚和阿尔伯特博物馆举办的日本风格时装展；获得纽约布莱克学院奖。

1984年，获得美国时装设计师协会奖和MAINICHI设计奖1985年，在巴黎获得时装奥斯卡奖，再一次于维多利亚和阿尔伯特博物馆举办展示。

1990年，在阿姆斯特丹举办展示会，在东京举办“我要褶皱”展示，获奖。

1992年，获得朝日奖。被《星期日时报》评为创造20世纪的1000人之一。

1994年，“三宅一生我要褶皱”获得日本创造奖1996年，发布“三宅一生我要褶皱”客座艺术家系列1，获得MAINICHI设计奖。

1997年，发布系列2；获得日本政府颁布的紫绶带奖章。 X 登录 · · · · · ·

H. 欧度的骑士风采

礼服，是马术盛装最为重要的绅士着装。欧度（OUHTEU）品牌创立初期，OUHTEU Polo Club（欧度马会俱 乐部）仅提供马术比赛及社交礼仪的相关服装和配饰品。作为骑士精神的服装文化倡导者，至今保留着以优质的原料和精致的手工工艺来继承其产品的传统。
欧度（OUHTEU）深究绅士风范，并随着时光的推移，紧密的更新和变化。如今欧度（OUHTEU）品牌产品仍保留着OUHTEU Polo Club（欧度马会俱乐部）时期创新商务男装的设计思路，以都市商务休闲风格为主，被不断赋预了更多的时尚色彩。通过经典款式细节的勾勒和延伸，欧度（OUHTEU）品牌正不断成为男装“新一代商务风尚标”的代表，并顺应着“年轻化”这个大趋势向时尚迈进。其经典怀旧的店铺环境设计风格将粗线条的厚重感均衡展现，彰显传统奢华之美。 尼渤（NIBOUL），一个坚持以“旅行日记”采撷灵感的男性服饰品牌，不断体验和追寻新事物，自由地探索世界，发现着每一座城市的美，传达着时尚新锐贵族自由、勇敢、敏锐和创新的穿着和生活态度。
尼渤（NIBOUL）旅行的足迹在从未间断，其足迹遍及五大洲，到过比利时、荷兰、巴厘岛、新加坡、意大利、西班牙、英国、法国、瑞士、希腊、南非、澳大利亚、日本、泰国等地，每一次旅程，尼渤（NIBOUL）都会把当地的风景、人文、生活气息一一收藏，通过每一季的时装杂志、终端的陈列展示出来，店内还会赠送给消费者最具旅游地特色的礼品，分享异国独特的风情。
而尼渤（NIBOUL）的设计师团队，则成为了“旅行日记”的时尚解读者与传播者。OUHTEU（国际）集团多次组织加盟商和优秀设计师出国旅游考察，足迹遍及法国、意大利、西班牙、日本等国家。将旅行时采撷的灵感运用到品牌设计理念中，获得了业界的广泛赞誉。
尼渤（NIBOUL）品牌是时尚的灵魂和未来。它将美学融入专业知识，成就了神奇的触感体验，其产品风格与国际一线设计同步，针对时尚品需求甚高的人群，打造时下最为流行的着装方式，成为上流新锐贵族趋之若鹜的时尚追求。其对细节的渴求柔化了线条形式，以“鹰士精神”的角度传达出舒缓、悦动、自由的品牌精神，将产品设计理念解读为舒适愉悦、时尚修身的形体感觉。1924年巴黎夏季奥运会上，年轻的击剑选手GIULIO GAUDIN第一次代表意大利站在了奥运会场上。在最后一轮比赛中，意大利队因抗议裁判不公正的判罚，退出了比赛，年轻的GIULIO GAUDIN在巴黎也未能获得奖牌。 18世纪的意大利，文艺复兴起源地——佛罗伦萨，为欧洲最著名的艺术文化中心，以高级服装和皮革驰名全欧。就在这座城市有一位年仅16岁的贵族公子，昆狄-布莱克（Quidni Blake）摆脱了家庭的束缚，开始云游四方。就在远离佛罗伦萨的一座城市——意大利南部的雷焦卡拉布里亚(Reggio di Calabria)，这座单以成衣定制的城市，他得到了裁缝汤姆斯-保罗（Thomas Paul）给予的工作机会，开始着手学习服装设计，不断吸取成衣设计的理论和实践技巧。在工作的12年里，昆狄-布莱克 （Quidni Blake）将自己所有的作品运用刺绣、配饰品装饰等工艺表现出独特的艺术风格。心怀远大抱负的昆狄-布莱克（Quidni Blake），在日后的15年先后去到意大利米兰、法国巴黎学习服装工艺，并受邀为众多宫廷贵族设计华服，备受推崇和赞美。
如今除服装外，昆狄（QUIDNI）产品开始革新，已渗透到了皮鞋、箱包、乃至男士搭配所需的各种配饰品。其独有的设计风格在时装界延续着叱咤风云的神话，到后人对昆狄（QUIDNI）品牌风格的发扬传承。
昆狄（QUIDNI）品牌，以“优雅时尚”为设计灵魂。针对35至45岁的中高端消费人群，以高贵时尚的服装设计风格，通过巧妙的搭配美学，满足富有文化内涵的都市知性贵族商务及休闲的全系高品质穿衣需求和多元化时尚搭配概念，精确解读每一天出席不同场合的男士着装密码。将“名仕精神”所体现的低调、内敛、精致、细腻的艺术气质完美体现。店铺环境以优雅、清透、浪漫的现代简约风格为主，结合细线条的勾勒设计，融入柔和的灯光效果，兼具摩登时尚和艺术气息。

I. 威廉·布莱克诗<<老虎>>详解

诗歌隐秘地浸润着我们的现实生活，并且不时以光与影、声与色、梦境与幻影的形式轻盈地溢升、映显事物的巨大荒凉与虚弱，生命的光焰与暗淡。当一部诗集如同受到指令般，不可思议地飞到某个有所准备的读者手中，他，或者她，通过阅读便可看到一张大幕稍稍拉起边角，一个鲜活空间由此露出一个包罗万象、四通八达的局部。这个微小，但其实与宇宙之浩瀚繁复同质的局部，一点儿也不亚于金庸在《天龙八部》中设置的“珍珑”棋局。所不同的是，我们进入诗歌并非要去破解什么难题，获取什么实利，而是为了体会生命绵长之气息，让水波的轻涌、微风的消散唤醒生存的觉悟，在内心和肌肤生出无限的战栗。这种阅读和体味，其实是将诗人的人生经验和领悟与自己印证，从而真切地互探生之奥义，寻求一种合乎人性的人生态度与方式。

朋友从远方寄来两本威廉·布莱克的诗集，这是奇妙的枕边爱物。两书一为张炽恒译，上海三联书店出版的《布莱克诗集》；一为杨苡译、译林出版社出版的《天真与经验之歌》。布莱克是我所尊崇的诗人之一，此话暂且不表，先说一段由他而生的书趣。

几年前，我得到法国当代小说家勒·克莱齐奥23岁时创作的长篇小说《诉讼笔录》。有论者言，此书深度可与布莱克之诗相比，这话当然激起了我的阅读欲望。读毕，觉得小说的构想和某些章节非同凡响，不过与诗人相比，似仍有所不足。其后，又读克氏其他作品，深感他叙事技艺日进，而如《笔录》、《沙漠》，行文直比金石，充盈生命真气的作品日少。只剩得他小说主旨存在：即苦寻人在世界的归宿。不久，曾与一师友同至某小书店。他拣出一册小书，是法国电影大师罗贝尔·布烈松的《电影书写札记》。这位师友眼力与品位自不可怀疑，但打开书一看，作序者正是小说家勒·克莱齐奥!仿佛异地突遇老友，又生出别样欣喜。而作家之序，于我这不谙电影艺术的盲者不啻明光一缕。如此连环指引，读书人多有所遇，或亦可称之为机缘。

得知我已安全收得书册，朋友才松了一口气。她激动地说，这是位天才诗人，只是诗译过来味道淡寡了许多。通过电话——这个生于18世纪的诗人闻所未闻的通讯工具，朋友用英语朗颂了布莱克的《病玫瑰》一诗。这部《天真与经验之歌》乃铜版彩印，对于爱好诗人诗画作品的读者来说，可谓眼目盛宴。抚摩光滑书册，静听朋友颂出奇美音节，时间好像在回转倒流，通过多棱镜的过滤，凝成了一个幻动不已的球体，我一时痴了……

1992年，上海福州路书店。一个头发长乱的青年在一大堆乱若河石的书中翻拣。他汗湿的手神奇地摸起《天真与经验之歌》，有些茫然地翻阅。书中的插图马上让他眼前一亮：几张铜版彩图立意神秘高远，饱蕴人世欢欣和痛楚的情绪。随意翻读其诗，这样的句子有如电光石火：我难道不是／一个像你一样的虻虫?／你难道不是／一个像我一样的人?……(《虻虫》杨苡译)与庄生梦蝶相比，此诗少了几分玄虚与逍遥，却多了几分真诚和痛苦。

那本诗集也是杨苡所译，封面是紫红色的，书题“天真与经验之歌”几字衬有蓝底，底纹上下各烫一道金边，与上面“诗苑译丛”四个小烫金字呼应。这是湖南人民出版社于1988年5月出版发行的，书前附G·凯因斯的引言，其后是T·S·艾略特的《威廉·布莱克》一文。两文各有侧重，都值得爱诗者一读。与后来收到的译林版相比，此书不足之处是排印过密、彩印太少。然而，对于我而言，这又算得了什么?那时，我正沉迷于瓦雷里、埃尔南德斯、安德莱德等人的幻美澄澈的诗境，布莱克如同叶芝一样，以相似的简洁有力的风格，飓风般突入我的阅读视野，使我这个诗歌学徒徘徊踟躇，难定去留。

1757年，威廉·布莱克出生。他10岁习画，15岁进入雕版师詹姆·巴塞尔工作室。七年间，他在那里习得雕刻、蚀刻、点刻以及临摹技艺，很快成为那个时代最好的艺匠之一。布莱克12岁开始写诗，12岁至20岁间的诗作，由朋友们合资出版。这部《诗的素描》的出版，现在已被诗评家认为是18世纪后期诗坛头等大事之一。这就是说，仅仅是这些少作已使布莱克成为“浪漫主义复兴”的主要文学先驱之一了。张炽恒所译的《布莱克诗集》，选译了诗人多首少作，读来犹如清新之风拂面。而我在几年前有缘从书摊获得一本人民文学出版社，于1957年出版的《布莱克诗选》，素色硬壳封面、内有布莱克像及他的蚀刻插图，可惜都是黑白色。译者阵容强大，查良铮(穆旦)、袁可嘉、宋雪亭、黄雨石，皆为诗坛宿将或译界名家；诗选以诗人少作始，《天真之歌》和《经验之歌》为脊，最后是布莱克的杂诗和深奥的断简残篇及嘉言选，勾勒了诗人的基本创作线索。“我要在水的明镜中／钩起一个个的幻梦”(《歌》查良铮译)，这是布莱克写于20岁的诗句，斯人禀赋，由此可窥。

张炽恒新译《布莱克诗集》比人文版的《诗选》更全面，除去以上内容，他还选译了布莱克的部分长诗片断和诗剧《爱德华三世》。译者就前辈的译诗提出了一些自己的看法，如此，读者比较几家译诗，或许能接近“诗歌在翻译过程中丧失的那部分”。张氏在译者序中称，为此书之形成，他耗时15年，又说，忽视布莱克，对于诗歌读者是一个大的缺憾。事实上，在20世纪上半叶，中国诗坛就撞击出布莱克隔世的吟咏。一则穆旦等人的诗作可证；二则，诗人“在一粒沙子里看见宇宙，／在一朵野花里看见天堂……”(《天真的预言》宋雪亭译)这样的名句，恐怕不仅是一代中国人听过。 ·

布莱克的诗走向成熟后，风格更趋朴素。他以平朴的句子编织常见的意象，却构成一种奇妙深沉的诗境。那些简单的事物经由他的锤炼锻造，忽然通体透明，俨然混合着万物的形体。他的每—首诗都如出自深厚土壤之林木，枝叶果实看似单纯，却自成体系；诸诗合声，则有江河海洋之韵，又如多面纵深立体之晶体。

简单地说，他的诗作在文字背后深隐着一种巨大力量，这种力量在阳光下(阅读)显出淡淡的影子。影子的颤动如同少女的睫毛，却与大地最隐秘的律动合拍，而在视觉上只投下单纯的图案，需要读者再三体味，才能渐咀真味，每次读布莱克之诗，总给我难以穷尽的深邃感觉。这不是指他的作品晦涩，而是感到他的诗意永在变化和延展。比如《天真之歌》中的《牧童》、《羔羊》等节奏明快的诗章，深咀如剥洋葱，兴味无穷；比如那首读来令人流泪的《扫烟囱的孩子》，在现实层面上，与后来“通灵”诗人兰波《惊呆的孩子》一诗力度仿若，而意境则更为深远。

布莱克一直生活在底层，没有受过正规的高等教育。对此，艾略特这样评论：“对布莱克有利的条件大概包括这两种：即，他早年学徒习艺，不必接受任何的不需要的教育……另外，作为一个微不足道的雕版师，他没有什么向他敞开的从事新闻杂志和社会事业的门路。”艾略特一方面肯定布莱克“禀承了一种相当了解人性的能力，对文字和音乐有一种非凡的创新意识，而且有一种臆造幻象的天赋”；另一方面，他又说“神话学、神学与哲学的底子所导致的集聚便是但丁为什么是一个古典文豪，而布莱克却仅仅是一个天才诗人的原因之一”。尽管艾略特说造成这种结果，原因不在布莱克而在环境，却仍然无法让我信服——诗人各有走向语言秘境的方法，人人皆为但丁，显然不是一件有趣的事儿。

我倒是想重提一下布莱克“臆造幻象的天赋”。1787年，布莱克心爱的弟弟罗伯特病重去世。布莱克不知疲倦地看护，据说有半个月没好好睡一下。在弟弟死后，他精疲力尽，连睡三天未醒。据说，就在罗伯特咽气时，布莱克的幻想才能竟使他看见“一解脱了的灵魂向天空升去，欢快地拍着他的双手”。据说，此后布莱克正为以何种形式出版他的诗集而不知如何是好时，罗伯特的亡灵给予他指示：在一块铜版上蚀刻诗与插图。布莱克的这种“装饰诗歌”充满了哲学和象征意味，这种形式，即使在今天也是令出版家惊诧的奇思妙想。诗人早期诗作已为世人肯定，晚年格言散文诗则为尼采、王尔德的创作提供了一个参照，而他最负盛名，“幻觉和臆造”充沛的，则是《天真之歌》与《经验之歌》。从天真而经验，这是诗人对人世生活凝炼的概括。

至译林版《天真与经验之歌》面世，十多年又过去了。杨苡在书后说书、说人、说事，简短却尽染沧桑。和十多年前的那个青年相比，我已快变成了一个胖子。而与我们相距二百年的诗人布莱克仿佛仍在诗句间沉思、臆造幻象。他逡巡于时间的多棱镜，如同一只老虎，偶尔对着这个喧嚣的时代转过头脸和身尾——是那么沉静、那么惊异……嗖地又远去了。让我们在他的名诗《老虎》中品味和捕捉那种神秘的意趣吧：

老虎，老虎，你炽烈地发光，

照得夜晚的森林灿烂辉煌；

是什么样不朽的于或眼睛

能把你一身惊人的匀称造成?

本文来自：http://blog.sina.com.cn/s/blog_4be686d8010009g5.html

J. 鞋子的问题~·

鞋头略翘,饰有云状图案,寓吉祥之意。我国古代鞋子款式都鞋头上翘，称“翘头履”。唐代的翘头履多以罗帛、纹锦、草藤、麻葛等面料为履面，其履底薄，履帮浅，较轻巧便利，翘头做成凤头、虎头等，重动逼直。此外还有重台履、高墙履、勾履、芴头履等名称。

鞋的产生与自然环境、人类的智慧密不可分。远古时代，土地的高低不平，气候的严寒酷暑，人类本能地要保护自己的双脚，于是就出现了鞋：简单包扎脚的兽皮，树叶，便成了人类历史上最早的鞋。古人类保存下来的文献，仍能给我们提供一部精彩的鞋史。

公元前8000年 在密苏里州，发现了美洲土著人的鞋子遗骸。

公元前3300年 一个死在法国高山上的冰商，留下了一双原始的用草编织的鞋子。

公元前3000年 在埃及的神殿，可以发现关于鞋或鞋匠的油画。

公元100年 光着脚丫是希腊奴隶与自由人服装上最根本的区别。

公元200年罗马皇帝马可.奥里利乌斯声明，除他和他的继承人外，任何人都禁止穿红色沙鞋。

15世纪 骑士都穿长鞋头（24英寸长）的鞋，素来提倡节俭的法律明文规定鞋头的长度。

16世纪早期 在达芬奇的影响下，发明了高跟鞋。

16世纪中期 30英寸的高跟鞋风靡了整个欧洲南部。

17世纪早期 作为一种最流行的点缀，鞋带出现了。

17世纪末 由于误译，法国童话故事中的灰姑娘的绒布拖鞋，变成了灰姑娘的水晶鞋。

18世纪中期 花费近百年的时间，才终于取代了传统制鞋方法，第一家鞋厂出现。很快，第一家鞋铺又在波士顿出现。

19世纪早期 扁平鞋与希腊沙滩鞋很受欢迎。

19世纪中期 出现了第一双运动鞋（也称橡皮底帆布鞋）。随后，伊莱亚斯、豪发明第一部针车。

19世纪末 服装不可缺少的装饰品---搭纽扣，也运用到鞋款上，并很快成为时尚标准。

本世纪以前，鞋匠与木匠、铁匠和裁缝一样，是一个低贱的行当。鞋的设计不被认为是一种独立的、具有艺术性的工作，而被看作是整个制鞋工序中的一部分。

著名鞋业设计师主要崛起在欧洲，因为在美国随着现代鞋业大规模生产得到迅速发展，个体鞋匠显得多余。 美国的鞋业起萌于新英格兰的殖民地，那里的农夫冬天在厨房里制作自家用的鞋。整个家庭都参与这项工作。男人割皮革、贴鞋底，女人缝鞋边。殖民时期鞋匠们所用的工作台现在成了收藏家的物品。 由于掌握了制鞋的技艺，一些有胆识的农夫就开办了小鞋作坊，三四个工人一起把当地鞋匠缝好的鞋料进行拼装、上底，然后制成成品鞋。

1750年，马萨诸塞州的利恩建了一个制鞋厂，使当地的制鞋技术得到了进一步发展。在那里工人不再是独立的做鞋，鞋的每个制作环节都由一个受过训练的专人负责。生产线开始形成。 起初的鞋仍然是订做的，但为了使工人在淡季有事可干，鞋坊老板开始做没有预订的鞋。这些鞋被称作待售鞋，摆在当地商店的橱窗里。哈维两兄弟早期是用马车装待售鞋，到附近的地方兜售。

在1793年，他们在波士顿开办了第一家鞋业零售店，每逢周三和周六出售成品鞋。 十八世纪中叶以来，发明家们一直致力于缝纫机的改进。直到1790年，第一台专用于皮革加工的缝纫机才由一个名叫托马斯·圣特的英国人改造出来。它差不多只是一个垂直向上可在皮革上打孔的锥子。 英国的马克.布朗勒爵士曾任纽约港的总工程师，他发明了一种压力机，可用金属针把鞋帮与鞋底缝起来。为了在英国反拿破仑的战争中尽职，在伤残军人的帮助下，布朗勒一天生产400双鞋子。战争结束以后，英国的制鞋工业又回到了手工操作的方式。

1810年，美国出现了类似的机器。与此同时，两个名叫井格布勒和约利勒尔的法国人也在巴黎制造这种机器。 一位名叫布勒西的德国斯图加特的制鞋人尝试过用螺钉把鞋帮和鞋底连接起来。1829年，美国马萨诸塞州梅里马克一个名叫纳赛尼尔·涅奥拿多的人，使钉鞋机得以最后的完善。 大约在1812年，马萨诸塞州沙顿的托马斯·布兰查得，把一部制枪托用的车床改成了用来雕刻鞋楦的机器，鞋楦是一个制成鞋状的木模，鞋就是在它上面拼装的。在十九世纪三十年代，还是在新英格兰，鞋匠们开始借助模具来裁剪鞋帮，而不再依靠个人的裁剪技能。十九世纪四十年代，滚轧机在皮革压缩方面的应用，便于鞋帮后跟加固后部成型。 英国人仍继续手工制鞋，直到十九世纪末期，才迫于经济的需要转入机器生产。这时他们才发现所有的专利权都属于美国人，他们不得不租用美国人的机器，并支付专利权使用费。但这也使英格兰保留了很强的手工制鞋的传统。

1846年，马萨诸塞州斯宾塞的艾利斯·豪维把一台缝纫机登记了专利。该机不仅可以缝合布料，而且可以用蜡线来缝合皮革。三年后，美国发明家伊沙克·M·辛格在波士顿发明了带踏板的缝纫机。

1858年，利曼·B·布莱克发明出可以把鞋底和鞋帮缝合起来的机器。两年后，一位名叫麦克的绅士对该机器进行了完善。以后的21年当中，布莱克和麦克强手联合垄断了机制鞋行业。在意大利，手工制鞋的传统一直持续到二十世纪，而在法国，预订鞋的设计与生产规模不大的时装业紧密地结合到一起。 巴黎的时装业是由一个名叫查尔斯·弗里德里克·伍斯的英国人创立的，1858年他在巴黎的得·拉佩斯大街7号开办了一家时装店。他第一个于每一季推出一批服装，并叫年轻姑娘来当模特。作为时装界崛起的第一人，他还第一个建立了设计服装的体系，设计出来的服装可以在巴黎的工厂里批量生产，并销往全世界。 奥地利驻法大使夫人保琳·得·麦特里奇公主穿了他的一件衣服去参加了拿破仑三世的宫廷舞会，这给了他第一个大好机会。很快拿破仑三世的妻子约瑟尼皇后和宫廷里的其他贵妇开始穿伍斯的衣服。他设计了第二帝国时期的豪华衬裙并在背后加上了腰垫，使之成为了十九世纪七十和八十年代妇女的标准服装。伍斯主导着人们的着装品位，在1895年去世之前，他已在为欧洲所有的皇室制作服装。有的服装甚至没有加标签就给秘密地送到维多利亚女王的宫廷里面去。 伍斯死后，生意由他的两个儿子盖斯顿和让·菲力浦接管。他们很快意识到时装正在飞速变化，1900年，为了赶上不断变化的时装品味，他们请来了当时只有21岁的设计师保罗·波乐斯。波乐斯的前卫服装很快就出现在当时的名流显贵身上。在为伍斯兄弟干了四年以后，他离开他们，另起炉灶。那时，一些其他的时装店---帕奎、舍路特、道舍特---也如雨后春笋般出现在伍斯兄弟商店的周围和邻近的文多姆广场上，巴黎成了世界时装业的中心。 大多数制鞋人默默无闻地为时装店工作，但少数人开始成为知名的鞋业设计师。

穿着波乐斯或帕奎服装的时髦女性，一定穿着利谢里大街的查百里或得·拉·古朗基·巴特利尔大街的费里所设计的鞋。 帕拉帝斯·波森勒尔大街的皮乐特是这些设计师中最能追赶潮流的一个。他出生于1817年，是一个乡村鞋匠的儿子，从父亲那里学会了制鞋的技术。1855年，他到了巴黎，并凭借伍斯兄弟在时装业买主中赢得了名声，这主要得益于他所设计的鞋后跟，它要比当时流行的路易后跟更瘦、更直。皮勒特退休以后，他的儿子接管了生意。一直到第二次世界大战，皮勒特的鞋都以高贵典雅而著称。

当皮勒特在伦敦和巴黎的鞋店吸引了成千上万的顾客的时候，另一位第一次世界大战期间在巴黎开始工作的著名鞋业设计师只赢得了20名顾客。他的名字叫皮托·严特尼，自称是“世界上要价最高的设计师”。这保证了他有一个独有的客户群。他的鞋现在陈列在纽约市艺术博物馆。 继严特尼之后，安得·佩鲁吉是又一个来自莱斯的年轻设计师。他的制鞋技艺是跟他意大利的父亲学的。佩鲁吉是被波勒特带来巴黎的，在许多时装公司干过事。他设计的鞋现在在法国诺曼的得·拉·肖绪博物馆陈列着的数量达两千只。

萨尔瓦多·费拉加莫，年轻的意大利鞋匠，1914年移民到波士顿以后，他把手工制作女鞋的技艺带回了美国。由于对美国机器制鞋的方法深感失望，他搬到了加利福利亚，成为了一名道具制作人，同时为电影界人士手工制鞋。很快电影明星就开始购买他的鞋了。在他1927年回到意大利以后，那帮明星仍然是他的忠实顾客。二十世纪三十年代，他开发出以软木作底的鞋，流行了十多年。他死后，他的代表作还曾在世界巡回展出。

二十世纪四十年代，一个名叫戴维·艾文斯的年轻英国人在费拉加莫之后来到了美国西海岸，成了好莱坞明星们的鞋设计师。他还为包括比尔·布拉斯和奥斯卡·得·拉·伦塔在内的纽约最著名的时装设计师设计过皮鞋。同时，富有传奇色彩的罗杰·维尔去巴黎为克里丝琴·戴尔工作，在那里因设计出了细高跟女鞋而出名。他的富有创意的作品也是全世界的艺术博物馆猎取的目标。

现在欧美出现了新的一代鞋业设计师，尽管还没有博物馆留意他们，但其作品已经受到顾客和时装设计师们的青睐。马罗·布拉尼克、琼·哈尔佩恩、莫得·弗里让、贝斯和荷伯特·列文、安得·费思特、简·简森、帕特里克·科克斯和克里丝琴·卢伯斯的作品更有灵感，可以说，他们的作品将来某一天也会与他们那些知名前辈的作品享有同样的地位。他们的鞋将被作为艺术品来欣赏，而不只是脚的保护物。

中国鞋有着悠久的发展史。大约在5000多年前的仰韶文化时期，就出现了兽皮缝制的最原始的鞋。在新疆楼兰出土的一双羊毛女靴，距今已有4000年，整双鞋由靴筒和靴底两大部分组成，堪称世界第一靴。在3000多年前编写的《周易》上已出现了代表鞋的“履”字。战国时的孙膑因为被庞涓敲碎了膝盖骨，不能行走，就用硬皮革裁成“底”和“帮”，发明了高皮绚，即后来的靴子，中国历史博物馆里就珍藏着一双2000多年前的皮绚。

后来，由于鞋的制作材料、式样、用途越来越多，鞋的种类也开始丰富起来。根据制作材料的不同通常可以将鞋分为草葛、布帛和皮革三种。

其中布帛鞋是指以大麻丝、绫、绸、锦等织物布缝合成的鞋。汉代多呈分叉状，底用麻线编织，又称双尖翘头方履；魏晋时期，则流行在鞋的前端绣上双兽纹饰。

背弃时，屐成为一种时尚，它是有木齿的鞋，由扁、系、齿三部分组成。

皮革、棉毡等制成的皮鞋、皮靴又称“马靴”或“高统靴”，原为北方游牧民族所穿，有旱靴、花靴、皮靴、毡靴、单靴、棉靴、云头靴、鹅顶靴等之分。相传孙膑是靴的始祖，南北朝时期在北方广泛流行，并传至江南，到了唐代已官庶咸宜（直至明清才被朝廷下令禁止百姓穿靴，只有官宦才可穿靴）。

宋代亦普遍流行皮制的皮鞋，男性多穿小头皮鞋，女性多为圆头、平头或翘头，上面也饰各式花鸟图纹。元朝末年开始出现鞋头高耸、鞋底扁厚的女式布帛鞋，这种鞋使人显得格外修长。

到了明清，鞋的制作方法与式样逐渐融合，越发考究起来。明代的鞋多以厚实为主，北方多穿菱纹绮履，江南多着棕麻鞋。

清代满足统治时期，男鞋以尖头鞋为主，夏秋用缎制，冬用建绒，有厚底薄底之分，面作单梁或双梁，鞋帮有刺花或鞋头作如意头卷云式。清代的女鞋最具特色，鞋底多为木质，高一寸至五寸不等，其底形为上宽而下圆，被称之为“马蹄底”，又称“花盆底”。鞋面常以绸缎所制，上施五彩刺绣，贵族妇女有的在鞋面上还镶嵌各种珠宝，穿起来显得身材尤为挺拔。但因行走不便，老年妇女或者身份低下的人多穿木制平底鞋。

就像所有的服饰一样，鞋子在某些时候，也代表了某种你想让别人留下深刻印象的身分地位；但是，除了对一双罕见的鞋子啧啧称奇之外，我们最关心的，其实是鞋子究竟合不合脚的问题。因此，当你梦见鞋子，往往表示着，在你生活中的某个层面也许浮现出“到底适不适合”的疑虑。梦中的鞋子，也可能就是反映你在现实生活中采取的行动方式，特别是你穿着它四处走动的时候。注意在梦中，鞋子的式样与类型，观察你和鞋子的关系是如何建立起来，你如何使用它，以及你对它的感觉；也许你就能明白，为什么灰姑娘的玻璃鞋不在你的脚上的原因了。