曲线在女装设计中的应用

A. 关于建筑在服装设计中运用的相关书籍有哪些

新古典是指资本主义初期最先出现在文化上的一种思潮,在建筑和设计史上指18世纪60年代开始在欧美盛行的古典形式。18世纪前的欧洲,巴洛克和洛可可风格盛行一时,其繁琐的装饰与贵金属的镶嵌逐渐引起了人们的厌恶。在探求新的设计风格的过程中,希腊、罗马的古典建筑成了当时的创作源泉。1750年,罗马庞贝遗址被发掘,在欧洲引起了研究古典艺术的热潮,人们认识到古典艺术质量远远超过巴洛克与洛可可,促成了新古典的产生与流行。

新古典追求古典风格和简洁、典雅、节制的品质以及“高贵的纯朴和壮穆的宏伟”。在建筑上追求建筑物体形的单纯、独立和完整,细节的朴实,形式的符合结构逻辑,并且减少纯装饰性的构件,显示了人们对于理性的向往。新古典在各国的发展虽然有共同之处,但多少也有些差异,大体上在法国是以罗马式样为主,而在英国、德国则是希腊式样较多。新古典风格也体现于当时的产品上,其特点是放弃了洛可可过分矫饰的曲线和华丽的装饰,追求合理的结构和简洁的形式,构件和细部装饰喜用古典建筑式的部件。英国新古典家具的成就很大,其中涌现了一大批优秀的设计师,他们长于设计朴素、实用的形式，其设计出来的产品成为了现代家具设计的先声。

折衷主义

在19世纪,一个更为直接和严峻的问题是风格上的折衷主义。所谓折衷主义就是任意模仿历史上的各种风格,或自由组合各种式样而不拘泥于某种特定风格,所以也被称为“集仿主义”。随着生产的商品化,需要用丰富多彩的式样来满足和刺激市场,于是希腊、罗马、拜占庭、中世纪、文艺复兴的情调杂然并存,汇为奇观。同时,19世纪的交通已很便利,考古学大为发达,加上摄影术的发明,帮助人们认识和掌握了古代遗产,以致有可能对各种式样进行拼凑与模仿。

工艺美术运动(Arts and Crafts Movement)

现代工业设计的先导。说它是一次运动,是因其影响波及面大,具有国际意义。18世纪从英国开始的工业革命,使机械产品渗透到人类生活的各个方面。与过去手工制造的产品相比,呈现明显机械化特性:有些产品的造型和装饰设计,仍照搬传统手工业产品的样式,使难于应付复杂形式的机器产品比过去用长时间精雕细琢的手工业产品显得粗糙低劣;有些产品因按照机械生产的特点重新设计,其单纯简洁的样式,却使许多认为只有花样繁琐的传统样式才代表精致完美的消费者难以接受。因此,非常不成熟的工艺美术设计,面临着新旧过渡时期的困难。以英国诗人、文艺批评家拉斯金和画家、工艺美术设计家莫里斯为代表的传统派,一面在理论上展开了批评和宣传,一面积极致力于设计实践。他们不满当时机械化产品的粗糙、简陋,认为真正的工艺产品应该既实用又美观,企图恢复中世纪传统作坊生产的手工产品的标准的手工技艺和完美而精致的设计。为此,莫里斯建立了自己的染织作坊,亲自设计并以手工制作各种织物、壁纸、地毯和家具等。其设计在否定当时机械化样式缺少曲线变化的前提下,运用了自然界有机物(如花草)的形式,并加以变形,使装饰纹样呈现出变化丰富的曲线,富有生机和运动感。它们和曾经风靡欧洲、有强烈装饰感的巴洛克和罗可可(见巴洛克、罗可可)的曲线风格有千丝万缕的联系。这种风格很快在建筑造型、室内装饰、园林艺术、书籍装帧等各种工艺美术设计中表现出来,并影响了整个欧洲设计界。拉斯金和莫里斯的言行使其走进一个具有历史意义的怪圈:他们从审美角度反对工业化时代生活用品的机械生产及其造型样式,但他们号召人们把生活用品的设计与其功能相结合,并身体力行。因此,实际上是在引导人们对产品(不论是手工还是机器产品)设计与其功能的关系予以特别重视,指出了正确的设计方向,极大地推动了工业产品设计这一新生事物的发展。

新艺术运动(Art Nouveau)

是工艺美术运动在法国的继续深化和发展。法国设计师兼艺术品商人萨穆尔·宾于1895年在巴黎开设了设计事务所“新艺术之家”,并与一些同行朋友合作,决心改变产品设计现状。他们推崇艺术与技术紧密结合的设计,推崇精工制作的手工艺,要求设计、制作出的产品美观实用,他们对建筑、家具、室内装潢、日用品、服装、书籍装帧、插图、海报等进行全面设计,力求创造一种新的时代风格。他们在形式设计上的口号是“回归自然”,以植物、花卉和昆虫等自然事物作为装饰图案的素材,但又不完全写实,多以象征有机形态的抽象曲线作为装饰纹样,呈现出曲线错综复杂、富于动感韵律、细腻而优雅的审美情趣。在1900年的巴黎国际博览会上,法国设计师的精美作品引起世界广泛关注,在欧美各国引起广泛响应,并使“新艺术之家”的名称不胫而走,故以“新艺术”命名其运动。所以,法国自然成为新艺术运动的发源地和中心。法国新艺术运动的主要作品有:吉玛德设计的巴黎地铁入口;穆卡设计的海报;盖拉德在1900年的巴黎国际博览会上展出的设计作品《新艺术室》;盖勒设计的细木镶嵌家具;查普列特设计的华美瓷器等。还有些平面设计家为商业所做的广告设计,在视觉传达领域的探索中迈出了第一步。法国设计师不仅通过报刊宣传其主张,还直接向社会推销他们自己设计制作的新艺术风格的各种产品,创办设计专门学校,推广设计教育,如盖勒所创办的南希工业艺术联盟学校。小城南希是巴黎之外又一个法国新艺术运动的中心,两地的设计形式各具特色,互相影响。在法国新艺术运动中还涌现出许多成绩卓著的设计团体,如新艺术之家、现代之家、六人集团等,以六人集团的成绩最为突出。这使法国的新艺术运动色彩纷呈。1925年左右,法国的新艺术运动逐渐被装饰艺术运动取代。

维也纳分离派(Vienna Secession 1897-1915)

在奥地利新艺术运动一中产生的著名的艺术家组织。1897年,在奥地利首都维也纳的一批艺术家、建筑家和设计师声称要与传统的美学观决裂、与正统的学院派艺术分道扬镳,故自称分离派。其口号是“为时代的艺术--艺术应得的自由”。在设计方面,其重视功能的思想、几何形式与有机形式相结合的造型和装饰设计,表现出与欧美各国的新艺术运动相一致的时代特征而又独具特色。他们大胆实践,定期举办展览,并在1900年出版了设计期刊《室内》,在欧洲颇有影响。其代表人物有画家克里姆特;建筑家和设计师瓦格纳、霍夫曼、奥布里奇、莫塞等人。其中克里姆特和霍夫曼最负盛名。瓦格纳则是霍夫曼等人的老师,其设计思想与建筑风格在19世纪80年代已表现出与装饰主义的分流,故被称为分离派运动之父。1895年他在《现代建筑》一书中阐述了新时代建筑应具备的形式。他设计的卡尔斯帕拉兹车站,具有简洁的方形造型和新艺主术运动风格的装饰细节,是分离派的早期佳作。画家克里姆特是分离派组织的第一任主席,被誉为“奥地利最伟大的画家”。他创作了大量崖壁画,其形式与室内设计高度和谐。他打破传统的绘画形式,以金属般绚丽辉煌的色彩和一维平面效果,运用富有象征意义的形式语言,表现出强烈的华丽风格与工艺化的精美,呈现强烈的装饰性。其代表作有绘画《吻》、壁画《哲学》、《法学》、《贝多芬雕像装饰壁画》等。1903年,霍夫曼在银行家支持下,在魏恩市组织了维也纳工作同盟。他和莫塞担任艺术指导,从事家具、室内金属器皿的设计,并由同盟的作坊进行生产。其产品造型呈几何形态,很少装饰,力求艺术与技术完美结合,体现产品的实用性。霍夫曼在设计中表现出与普遍的曲线风格不同的直线风格,更加接近现代设计。他的由纵横直线构成的洗练的方格网装饰特征,成为象征分离派设计风格的鲜明符号。1904-1910年,他承担了布鲁塞尔郊区斯托克列宫的建筑设计。其方形的造型单纯、严谨,室内空间宽敞、墙面平直,是其最重要的代表作。室内陈设、餐厅的大型壁画则由克里姆特设计制作。壁画中图案化的人物形象和装饰花纹,是用玻璃、马赛克、珐琅、金属、廉价宝石镶嵌而成,华美异常,使斯托克列宫成为集分离派之大成的佳作。其他人的创作也成就颇丰,各具特色。奥布里奇设计的维也纳分离派之家,把单纯明确的几何造型与典型新艺术风格的枝蔓缠绕的花草装饰结合得浑然一体,是分离派代表作之一。莫塞的平面设计成就最大,其美学观点比其他人更加前卫与理性化。其书籍装帧、插图、印染、邮票等方面的设计,多以黑白色为主,明快、大方,更接近现代主义风格。维也纳分离派运动独树一帜,在设计中加进了新艺术运动风格中较少见的直线和简洁的几何造型,特别注重产品的功能,体现出欧洲设计从摆脱传统到走向现代的过渡风格,影响深远。

德意志制造联盟(Deutscher Werkbund)

德国第一个设计组织,1907年成立,是德国现代主义设计的基石。它在理论与实践上都为20世纪20年代欧洲现代主义设计运动的兴起和发展奠定了基础。其创始人有德国著名外交家、艺术教育改革家和设计理论家穆特休斯、现代设计先驱贝伦斯、著名设计师威尔德等人。其基地设在德累斯顿郊区赫拉劳。其宗旨是通过艺术、工业和手工艺的结合,提高德国设计水平,设计出优良产品。同盟认为设计的目的是人而不是物,工业设计师是社会的公仆,而不是以自我表现为目的的艺术家,在肯定机械化生产的前提下,把批量生产和产品标准化作为设计的基本要求。它努力向社会各界推广工业设计思想,介绍先进设计成果,促进各界领导人支持设计的发展,以推进德国经济和民族文化素养的提高。它表明德国在工业设计方面已进入一个新阶段,处于世界领先地位。同盟中的设计师在实践中不断取得前所未有的成就。1912-1919年,同盟出版的年鉴先后介绍了贝伦斯为德国电器联营公司设计的厂房及其一系列产品:格罗佩乌斯为同盟设计的行政与办公大楼、幕墙式的法格斯鞋楦厂房、陶特为科隆大展设计的玻璃宫;纽曼的商业化汽车设计等,都具有明显的现代主义风格。尤其是对1914年科隆大展的展品介绍,更令人耳目一新。年鉴还及时向人们展示国际工业技术发展新动态,如美国福特汽车公司首创的装配流水线。年鉴还发表不同观点的理论文章,让人们在争论中求得真理。1914年,同盟内部发生了设计界理论权威穆特休斯和著名设计师威尔德关于标准化问题的论战,前者以有力的论证说明:现代工业设计必须建立在大工业文明的基础上,而批量生产的机械产品必然要采取标准化的生产方式,在此前提下才能谈及风格和趣味问题。这次论战是现代工业设计史上第一次具有国际影响的论战,是德国工业同盟所有活动中最重要、影响最深远的事件。第一次世界大战使其活动中断。但它所确立的设计理论和原则,为德国和世界的现代主义设计奠定了基础。

风格派（De Stiji）

荷兰现代主义设计运动，产生于20世纪初,是早期国际现代主义设计运动的重要组成部分。风格派本源于荷兰绘画艺术风格(见风格派),但它对设计界的影响巨大,设计界的风格派被看做是现代主义设计中的重要表现形态之一。因风格派创始人、画家蒙德里安曾以“新造型主义”(Neo-plasticism)为题发表论文,以新造型主义来形容其创作风格,故人们又把风格派称为新造型主义。其设计的代表作有《风格》杂志的封面设计和斯拉拉斯堡的奥伯蒂咖啡馆的室内设计:里特维尔德设计的施罗德住宅、红蓝椅子:奥德设计的乌尼咖啡馆等。风格派画家蒙德里安和杜斯伯格有关风格派的理论著述,是风格派设计的理论依据。

对于设计界来说,新造型主义这一名称尤为贴切。风格派主张从理性出发,用抽象的几何结构来表达宇审和自然的普遍的和谐与秩序,探索被事物的外貌所掩盖的规律,这些规律表现了科学理论、机械生产和现代城市的本质和节奏。其设计界的主要代表人物有设计师里特维德、建筑师奥德等人。他们主张把纯艺术的风格派原则运用在建筑、家具、其他产品和平面设计中,渗透世界,以创造新的世界秩序。他们注重使用和表现新材料、新技术,指出建筑的空间是由功能与和谐两个方面构成,其外观是由其内部空间决定的。他们把风格派绘画艺术的极其简洁有序的造型、色彩和线条的形态,应用到建筑、服装、家具等方面的设计中,并设计了新的字体和非对称均衡的印刷版面。风格派设计所强调的艺术与科学紧密结合的思想和结构第一的原则,为以包豪斯为代表的国际现代主义设计运动奠定了思想基础。风格派设计的代表有《风格》杂志的封面设计和斯拉拉斯堡的奥伯蒂咖啡馆的室内设计；里特维尔德设计的施罗德住宅、红蓝椅子；奥德设计的乌尼咖啡馆等。风格派画家蒙德里安和杜斯伯格有关风格派的理论著述也是风格派设计的理论依据。

构成主义(Constructivism)

由俄国艺术家马勒维奇和塔特林等人在前苏联十月革命后提出的一种艺术理论。在1920年发表的《构成主义原理》中指出,空间只能在其深度上由内向外地塑造,而不是用体积由外向内塑造;造型应注重立体结构;具有形体的材料作为表现因素,每一根线条都应表现事物的内在力量;同时应把时间作为一个要素引入造型之中。塔特林在第三国际纪念塔模型(1919)中,突出表现了对空间结构的塑造,他注重技术与艺术的融合,使造型艺术走向了设计的范畴。在标准型多功能家具的设计、折叠型家具等的设计中,都曾应用了构成主义的手法,体现了形态上的简化和经济节约的特点。在广告和图形设计领域,构成主义与荷兰风格主义相呼应,体现了几何形体及空间转换的构思效果,在国际上产生了一定影响。

包豪斯(Bauhaus)

1919年4月1日在德国魏马成立的一所设计学院,是世界上第一所为培养现代设计人才而建立的学院。虽然仅存14年,但对德国乃至世界的现代设计及其教育的影响不可估量。它在理论和实践上奠定了现代设计教育体系,培养出大批优秀的设计人才,成为20世纪初欧洲现代主义设计运动的发源地。包豪斯经历了两个主要发展阶段:①魏马时期(1919一1924),②德骚时期(1925-1933),其名称根据学院所在地而来。格罗佩乌斯(1919-1927年任职)是其创立者和第一任校长。第二任校长是迈耶(1927-1930年任职)。第三任校长是凡德洛(1931一1933年任职)。他们都是当时德国著名建筑师、现代主义设计的先驱,对包豪斯的贡献极大。20世纪初,在大工业迅速发展的推动下,欧洲各国的现代主义设计运动方兴未艾。格罗佩乌斯敏锐地意识到:应该建立新型的、专门的设计学院,以培养工业社会所需要的设计人才。他一再向政府提出创办以建筑设计为中心的设计专门学校的建议,1919年魏马政府表示同意,在合并魏马美术学院和魏马工艺学校的基础上,成立了包豪斯学院。其德文全称为“Des Staatliches Bauhaus”,即“国立包豪斯”。格罗佩乌斯把德文的建筑(bau)和房子(haus)两词合一而创造了“Bauhaus”(包豪斯),含意是新型的建筑设计体系,但其设计教育内容包括了以建筑为中心的所有工业设计。格罗佩乌斯亲自拟定了《包豪斯宣言》,确定其设计宗旨“艺术与技术的统一”。包豪斯在实践中探索,确立了现代设计的基本观点和教育方向:①设计的目的是人而不是产品。②设计必须遵循客观、自然的法则。其教育体系、设计理论与设计风格在实践中逐渐成熟、完善。包豪斯的主要教学内容是由艺术和技术构成。其早期的教学体制可称为“工厂学徒制”,学生的身份是“学徒工”,担任艺术形式课程的教师称“形式导师”,担任技术、手工艺制作课程的教师称“工作室师傅”,每一门课都由这两种教师共同担负,学校还设立了木工、陶瓷、编织和印刷工作室,供学生实习,使其兼具艺术和技术能力。包豪斯最重要的成就之一是奠定了设计教育中平面构成、立体构成与色彩构成的基础教育体系,并以科学、严谨的理论为依据。1923年8-9月间,包豪斯举办了名为“艺术与技术的新统一”的大型展览会。师生的作品吸引了欧洲著名的艺术家与设计师,从而进行了各种学术交流活动,宣传了包豪斯的设计思想,并将欧洲现代主义设计运动推向高潮。当时,格罗佩乌斯作了题为“论综合艺术”的演讲并发送其著作《包豪斯的设想与组织》。其后,他在教学上又作了较大改革,把数学、物理、化学作为必修课,使教学体系向着更加理性和科学化的方向发展,更加适应大工业生产的需要。由于右翼政治势力的迫害,1925年3月,包豪斯迁至德骚市,开始其发展的第二阶段。1926年,其校名又加上“设计学院”的附名,进一步明确了学校的性质。教学不再由形式导师和工作室师傅共同进行,而是聘请技术熟练的工匠协助教授工作。德骚包豪斯的教授以本院毕业生为主,如拜耶等人。1925年,该校刊物《包豪斯》出版。1927年,成立建筑系,瑞士著名建筑师迈耶任系主任。这是包豪斯的鼎盛时期。1928年2月,格罗佩乌斯辞职并推荐迈耶担任校长。他进行了大规模改革,加强了建筑系的课程,成立了音乐系,增设了摄影专业,并增加了社会学课程,提倡学生积极与社会联系。其进步的政治立场引起当局不满,1930年他被迫辞职。在格罗佩乌斯的推荐下,德国著名建筑师凡德洛出任第三任校长。他继续推行改革,完善以建筑设计为中心的教育体系,并努力使学院实现非政治化。1932年,在纳粹冲人学校大肆破坏后,学校被迫关闭并迁至柏林,以“包豪斯·独立教育与研究学院”命名,在一座废弃的电话公司里继续教学。1933年1月希特勒上台,4月,由当时的文化部下令关闭包豪斯并由纳粹军警强行占领学校,8月10日,凡德洛宣布包豪斯永久解散。包豪斯是现代设计的摇篮,其所提倡和实践的功能化、理性化和单纯、简洁、以几何造型为主的工业化设计风格,被视为现代主义设计的经典风格,对20世纪的设计产生了不可磨灭的影响。

现代主义设计运动

以工业设计为主的现代设计革新运动于20世纪初至30年代席卷欧美。它是在现代科学技术革命的推动下展开的,以大工业生产为基础并服务于整个工业社会。它在理论与实践方面都取得了丰硕成果,使人的生存环境发生了巨大变化,也使人们的消费要求和审美趣味发生了根本性改变。运动中涌现出一批具有民主思想、充分肯定工业社会大机器生产、赞赏新技术、新材料的工业设计的先驱人物。面对时代的挑战,他们提出了功能主义的设计原则,提倡科学的理性设计并创立了新时代的设计美学--机械美学。其所设计的简洁、质朴、实用、方便的全新产品,确立了现代主义设计的形式与风格,标志着产品设计进入现代工业化设计的时代。工业设计开始成为一门独立的学科,成为推动社会经济发展的重要杠杆。独立的设计教育体系也出现了,并在实践中逐步完善。在欧美各国,现代主义设计运动的发展各具特色。德意志制造联盟的成立、包豪斯的建立与发展、斯堪的纳维亚国家功能主义设计风格的确立、各国专职工业设计师的出现等等,表示现代主义设计形态已趋成熟。卓越的建筑师、设计师格罗佩乌斯、科布西耶、凡德洛、赖特等人奠定了现代主义设计的实践和理论基础。他们提出一系列新的设计思想及其原则,对推动欧美及世界的现代设计具有重要意义。格罗佩乌斯是最早在设计理论上有全面建树的设计师。他明确指出:“应该强调机械对于工业设计奠定决定作用。”他认为必须贯彻功能第一、形式第二的设计原则,设计应该“能够从实际方面完全达到自身的功能目的”,这样设计的产品才是可以应用、信赖、造价低廉和经济有效的。他认为20世纪的设计必须具有鲜明的时代特色,反对装饰和复古主义。他对美学风格的看法作过极具哲理性的阐述:“美的观念随着思想和技术的进步而改变。谁要是以为自己发现了‘永恒的美’,他就一定会陷于模仿和停滞不前,真正的传统是不断前进的产物。它的本质是运动的,不是静止的,传统应该推动人们不断前进。”科布西耶是机械美学的创立者,他赞赏飞机、汽车、轮船的设计,因为这些设计没有受到任何传统的束缚,完全是按照功能与技术的要求设计的,是全新的工业产品形式。他认为大工业社会的任何产品,都是某种意义上的机器。他赞美单纯、清晰的几何体。他说:“按公式工作的工程师使用几何形体,用几何学来满足我们的眼睛,用数学来满足我们的理智,他们的工作简直就是良好的艺术。”他主张设计应表现简洁、秩序、逻辑的理性美,应表现出对象本身的直线、比例、空间、体量的美,而不要有附加装饰。凡德洛也强调时代风格,主张设计的现实和功能意义,主张采用机械化、批量化的生产方式。赖特亦强调功能,同时提出“有机建筑”的观点,认为建筑设计应考虑其与环境的和谐、对建筑空间的有机安排与调度、自然材料与工业材料的不同表现力及两者的协调性等。现代派美术对现代主义设计有直接影响。许多现代派艺术家及积极投身到设计及其教育领域,如杜斯伯格、里特维特、康定斯基、克利、伊顿、纳吉等人。有些人在世界第一所设计学院包豪斯任教期间,对现代设计教育体系的形成及其基础课的建设作出巨大贡献。1923年在德国魏马举行的包豪斯作品展,向世界展示了其成就,使其成为世界性的设计、设计教育和设计理论研究中心。1925-1927年,德国包豪斯的教学体系己趋成熟,各方面工作走上正轨,师生设计成果达到新水平,使现代主义设计运动从尝试阶段进入系统化、科学化的成熟阶段,经受了时代的考验。20世纪30年代初,由于经济不景气和德国纳粹政权的压制,现代主义设计开始在欧洲衰弱。1937年后,随着包豪斯大批精英移居美国,使欧洲现代主义设计风格融入美国设计体系,在美国雄厚的经济实力的依托下,现代主义设计运动以美国为中心继续开展,形成国际现代主义设计风格。二战后直到70年代,国际现代主义设计思想、原则和风格影响了整个世界。20世纪80年代,后现代主义艺术和设计思潮兴起,但现代主义的许多设计原则仍然适用,并将随着时代的发展,成为世界设计传统精华的一部分。

装饰艺术运动(Art Deco)

19世纪20--30年代的欧美设计革新运动。在大工业迅速发展、商业日益繁荣的形势推动下,欧美的工业设计逐渐走向成熟。仍然经常留恋手工业生产的新艺术设计运动,己不能适应普遍的机械化生产的要求。以法国为首的各国设计师,纷纷站在新的高度肯定机械生产,对采用新材料、新技术的现代建筑和各种工业产品的形式美和装饰美进行新的探索,其涉及的范围主要包括对建筑、家具、陶瓷、玻璃、纺织、服装、首饰等方面的设计,力求在维护机械化生产的前提下,使工业产品更加美化。巴黎是装饰艺术运动的发源地和中心,1925年在巴黎举办了装饰艺术展,装饰艺术运动因此得名并在欧美各国掀起热潮。它受到新兴的现代派美术、俄国芭蕾舞的舞台美术、汽车工业及大众文化等多方面影响,设计形式呈现多样化,但仍具有统一风格,如注重表现材料的质感与光泽;在造型设计中多采用几何形状或用折线进行装饰;在色彩设计中强调运用鲜艳的纯色、对比色和金属色,造成强烈、华美的视觉印象。在法国,装饰艺术运动使法国的服饰与首饰设计获得很大发展,平面设计中的海报和广告设计也达到很高水平。格雷(Eileen Gray)的室内和家具设计,把富有东方情调的豪华装饰材料与结构清晰的钢管家具完美结合。在美国,装饰艺术运动受到百老汇歌舞、爵士音乐、好莱坞电影等大众文化的影响,同时受到蓬勃发展的汽车工业和浓厚的商业氛围的影响,形成独具特色的美国装饰风格和追求形式表现的商业设计风格,它们从纽约开始,逐渐从东海岸扩展到西海岸,并衍生出好莱坞风格。尤其在建筑、室内、家具、装饰绘画等方面表现突出。纽约的帝国大厦和洛克菲勒大厦,在整体外观、室内、壁画、家具和餐具等方面的设计,都表现了典型的美国装饰艺术风格。位于洛杉矶的可口可乐公司大厦,其建筑设计表现出汽车式的流线型形态。美国装饰风格20世纪30年代传至欧洲,使欧洲的装饰艺术风格更加丰富。在英国,装饰艺术风格始于19世纪20年代末,突出表现在大型公共场所的室内设计和大众化的商品(肥皂盒、爽身粉盒等)包装上。伦敦的克拉里奇饭店的房间、宴会厅、走廊和阳台,奥迪安电影连锁公司兴建的大量电影院等,表现出英国装饰艺术风格与好莱坞风格的结合。装饰艺术运动中表现出的东西方艺术样式的结合、人情味与机械美的结合等内涵,在20世纪80年代,重新受到了后现代主义设计师的重视。

斯堪的纳维亚设计

斯堪的纳维亚设计风格指的是20世纪30~50年代流行于国际的一种设计风格，以丹麦、瑞典、芬兰、挪威等北欧国家的设计为代表。早在1930年的斯德哥尔摩博览会上,斯堪的纳维亚设计就将德国严谨的功能主义与本土手工艺传统中的人文主义融会在一起。就风格而言,斯堪的纳维亚设计是功能主义的,但又不像20世纪30年代那样严格和教条。几何形式被柔化了,边角被光顺成S形曲线或波浪线,常常被描述为“有机形”,使形式更富人性和生气。20世纪40年代为了体现民族特色而产生的怀旧感,常常表现出乡野的质朴,推动了这种柔化的趋势。早期功能主义所推崇的原色也为20世纪40年代渐次调和的色彩所取代,更为粗糙的质感和天然的材料受到设计师们的喜爱。50年代斯堪的纳维亚设计盛极一时，其朴素而有机的形态及自然的色彩和质感在国际上大受欢迎，成为了当时欧美最流行的一种设计风格。

流线型风格(Streamlining)

流线型原是空气动力学名词,用来描述表面圆滑、线条流畅的物体形状,这种形状能减少物体在高速运动时的风阻。但在工业设计中,它却成了一种象征速度和时代精神的造型语言而广为流传,不但发展成了一种时尚的汽车美学,而且还渗入到家用产品的领域中,影响了从电熨斗、烤面包机到电冰箱等的外观设计,并形成为20世纪30~40年代最流行的产品风格。在最具商业气息的环境中产生的美国流线型风格正是给现代主义的清高以巨大冲击。流线型在实质上是一种外在的“样式设计”,它反映了两次世界大战之间美国人对设计的态度,即把产品的外观造型作为促进销售的重要手段。为了达到这个目标,就必须寻找一种迎合大众趣味的风格,流线型由此应运而生。而大萧条期间产生的激烈的商业竞争,又把流线型风格推向,

B. 曲线板有什么用是怎么使用的

曲线板，也称云形尺，绘图工具之一，用来绘制曲率半径不同的非圆自由曲线。在绘制曲线时，凑取板上与所拟绘曲线某一段相符的边缘，用笔沿该段边缘移动，即可绘出该段曲线。

曲线板一般采用木料、胶木或赛璐珞制成，大小不一，常无正反面之分，多用于服装设计、美术漫画等领域，也少量的用于工程制图。

在漫画中，曲线板用于绘制背景和效果线，也用于描绘机械或物件。曲线板属于固定图案用尺，只能在上面寻找近似的曲线来参考绘制。

作图方法

为保证线条流畅、准确，应先按相应的作图方法定出所需画的曲线上足够数量的点，然后用曲线板连结各点而成，并且要注意采用曲线段首尾重叠的方法，这样绘制的曲线比较光滑。

一般的步骤为：

1、按相应的作图方法作出曲线上一些点。

2、用铅笔徒手将各点依次连成曲线，作为稿线的曲线不宜过粗。

3、从曲线一端开始选择曲线板与曲线相吻合的四个连续点，找出曲线板与曲线相吻合的线段，用铅笔沿其轮廓画出前三点之间的曲线，留下第三点与第四点之间的曲线不画。

4、继续从第三点开始，包括第四点，又选择四个点，绘制第二段曲线，从而使相邻曲线段之间存在过渡。然后如此重复，直至绘完整段曲线。

(2)曲线在女装设计中的应用扩展阅读

发展

工程外形设计中常会碰到自由曲面的设计问题，例如飞机机身、汽车外壳、船体、以及各种用具的外壳、鞋植等等的设计。科学问题中也有很多曲面需耍拟合，例如地形、相面、温度场的表达等等。曲面是由曲线构成的，因此曲面设计，曲面拟合的基础是曲线。

在计算机出现之前，自由曲面的设计只能以手工用圆规、曲线板等来进行，劳动量很大，又不准确。计算机出现以后，才使曲面数字化成为可能，因为计算机存储量大，运算快而准确。为了表达自由曲面及其组成的曲线，也要从数学上研究表达曲线、曲面的数值方法。

1946年施恩伯格提出了样条函数，到六十年代在航空、造船、汽车等行业中被广泛采用，为曲线拟合开创了新的领域。样条函数的基本思想是把一条曲线分成段来描述，按一定耍求把各段连接起来。

C. 举例说明在服装结构设计中分割线的功能

分割线是服装结构设计中最常见的一种造型形式；
一、线的意义；不同的分割线，有不同的情感表现；
1、直线分割；
2、曲线分割；理解了线的意义，我们就知道由于曲线和直线的情感表；
二、分割线在服装结构设计中的作用
1、功能浅析分割线在服装结构设计中的运用
2、分割线是服装结构设计中最常见的一种造型形式，它是服装设计精确化和具体化的本质部分，是决定服装造型成功与否的关键。然而，学生在进行结构设计作业时，往往对“线”的自身内涵缺乏深入了解，随意分割，随意画线，其结果是分割繁琐凌乱，形式失衡，破坏了服装的整体性。本文以“线”为纲，分析“线”的意义及其在服装结构设计中的作用、应用原则和分割线与服装整体性的关系。希望对学生有所启发。

关键词：分割线 服装 结构设计 运用

分割线是指根据人体曲线形态或款式要求而在衣片上增加的结构缝。分割线以其特有的情感性和功能性，赋予了自身丰富的内涵和表现力。在服装结构设计中，线条的疏密、对接、方向、曲直等形式变化都会影响服装的表情，影响服装的造型。所以深刻理解“线”的意义，精确运用分割线，是服装造型成功的关键。

一、线的意义

不同的分割线，有不同的情感表现。

1、直线分割。直线具有“硬直”、“单纯”、“男性的”形象。粗直线给人以“坚强的”、“钝的”、“重的”感觉，细直线则有“弱的”、“神经质的”、“敏锐的”感觉。直线分割可分为水平分割、垂直分割和斜线分割三种形态，水平分割线具有广阔的性格，可以吸引人的视线左右移动，使服装显得安定、宽阔。水平线多的时候，就会形成一种压抑的表现。垂直分割线具有挺拔感，可以吸引人的视线上下移动，使服装显得修长，有“上升”、“权威”、“中心”的感觉。垂直线多的时候给人一种“严格”、“冷淡”感。斜线分割具有活泼感和动感、倾斜45度时动感最强，倾斜角度小或是左右斜线对称分割，动感减弱，稳定感增强。

2、曲线分割。曲线分几何曲线和自由曲线两种。其情感表现为“活泼的”、“运动的”“柔和的”、“温顺的”“优雅的”等。总体形象具有圆润感和流动感，可以增加服装的女性化特征。

理解了线的意义，我们就知道由于曲线和直线的情感表现差异，故曲线多用于表现女性，直线多用于表现男性。

二、分割线在服装结构设计中的作用1、功能性作用

首先功能分割线就是要使服装准确而精致地符合人体曲线,并满足人体活动的需要。具体表现在突出胸部、收紧腰部、扩大臀部,增加某一部位的活动量等功能。

通过分割衣片，将一些部位的差量，如胸腰差量、腰臀差量等，转移到分割线中，即达到合体的要求，又使省道“无形”化。例如经典的公主线就是很好的表现。公主线经过了人体的肩部、胸部和腰部，将肩省、胸省和腰省融入其中，将人体躯干的“S”造型完美的展现出来。

其次人体是运动的，而非静止的，分割线的设计一定要符合人体的运动机能。要从人体各部位尤其关节部位的运动功能出发，在这些部位对服装进行分割处理并放入一定的放松量，使这一局部的空间量增大，达到了为人体提供足够的活动空间量的目的。再次服装和人体也不只是简单的对应关系，如一些舞台服装为满足特殊的舞台效果，要求服装的外廓形发生改变，可以通过分割线的合理应用来实现。

2、装饰性作用

装饰分割线是指为了视觉的需要,附加在服装上起装饰作用的分割线。通过这些分割线的方向、线形的变化及错视现象与形式美法则的综合运用，形成夸张、修饰、均衡、有节奏的局部造型，从而引起服装设计视觉艺术效果的改变。

D. 建筑学用的曲线板和服装设计用的一样吗

建筑学上用的曲线板和服装设计用的基本上是一样的。

E. 服装设计中的公主线，收省，背逢线都是什么意思

公主线是从肩部往下延的偏中间线条，是服装中的一种分割线，可以使两块衣片缝合起来，让服装合身却不紧身。

收省是把省道捏合的一个过程，服装通过收省来达到它的合体性。

背缝线是人体背部到臀部的曲线，是连接1/2肩线，臀部最高点的线条。

(5)曲线在女装设计中的应用扩展阅读

公主线是服装中的一种分割线，可以使两块衣片缝合起来，让服装合身却不紧身，公主线是从肩部往下延的偏中间线条，还有一个刀背线，只是在背腰那偏旁的线条。前后衣片上从袖窿处起，过胸围、经腰围分割的曲线，起到和收省一样为了突出胸和腰美感，而且比收省更能顺应人体的曲线。

服装制版部位术语：

1、肩省颡根设在肩缝部位的颡道，常作钉子形，且左右两侧形状相同。分为前肩颡和后肩颡，前肩颡是作出胸部隆起状态及收去前中线处需要撇去的浮起余量；后肩颡是作出背部隆起的状态。

2、领省颡根设在领窝部位的颡道，常作钉子形。作用是作出胸部和背部的隆起状态，用于连衣领的结构设计，有隐蔽的优点，常代替肩颡。

3、袖窿省颡根设在袖窿部位的颡道，常作成锥形。分为前袖窿颡和后袖窿颡，前袖窿颡是作出胸部隆起的状态；后袖窿颡是作出背部隆起的状态。

4、侧缝省颡根设在侧缝部位的颡缝，常作成锥形。主要使用于前衣身，作用是作出胸部隆起的状态。

5、腰省颡根设在腰部的颡道，常作成锥形或钉子形，上下连体类可以作柳叶形。作用是使服装卡腰呈现和再塑人体曲线美。

F. 中国古代建筑元素在服装设计中的运用

jianshi le

G. 你的论文 绳带在服装设计中的运用 有没有完整版啊

论绳带在服装中的运用
[摘 要]绳带一直以来是与人们的生活密不可分，也很早开始在服装中使用。本文从绳带的概念出发，回顾人类文明中的绳带文化。又结合古今中外的大量实例阐述了绳带在服装实用与装饰方面的广泛运用。最后特别对绳带在服装设计中的多样性与多变性进行了归纳与总结。
[关键词]绳带、多样性、实用与装饰、时尚趣味。 中国服装历史悠久，而绳带运用在服装中也具有一定的历史时间。绳带自出现以来就被广泛的运用在服装中，在不同的时期，不同的民族服饰上的绳带的运用都各具特色。绳带不管是用来连接衣片的实用性，还是用在服装中起装饰作用，它通过穿插、拧结、缠绕、提拉等各种装饰手段，使服装在造型、结构方面产生千变万化，使服装风格产生迥异的变化。近年来，随着服装风格的多样化，也伴随着新的工艺和装饰手段，绳带风格越来越多的被运用在不同风格的服装中，成为设计师手中信马由缰，充满变化的一个设计手段，许多引领潮流的大师，在他们每季的作品中都能看到绚烂多姿的绳带，他们利用手中的绳带让服装产生丰富多彩的变化。近几年，在我们的生活装中，绳带的身影也随处可见，不同风格的服饰，不同种类的绳带将服装演绎的多姿多彩。
一、绳带的概念及其特征
早在远古时期，人们就已经开始剥制和利用麻类植物的茎和皮制作绳一类的东西，应用在生活方面。
在现代汉语词典中对绳的定义为：用两段以上的麻，棕毛或稻草等拧成的条状物，主要用来捆东西，在我们的头脑中，绳带的概念比较广泛，归纳起来，绳是由两股或两股以上的细条纤维经过多系的拧合而成的条状物，横截面为圆形，有一定粗度。
除了自然状态下的线形，绳带还可以通过盘、结、编等方法产生多种造型，具备“点”与“面”的特征。若将绳带进行盘结（如中国结），或在绳带的末端加入串珠、金属坠、带环，甚至羽毛，突出的便是“点”的效果，成为集中注意的中心。如将绳带编织成网，或简单地横向排列，如流苏，它就有了“面”的特性，给人以强烈的印象。
从外形上来看，在自然状态下的绳带给人的感觉是线行的，细长的，它具备“线”的一些特点：有时像直线，简洁、敏锐，具有视觉分割性，有时又像曲线，柔软、活泼、优雅，具有一定的动感，而且它又具有线的流动性，随着线的不同变化，可以产生不同的视觉感受。绳带的这种特性，使它置于其他物体（包括服装）时，其不同大小，不同颜色，不同形状，不同位置的变化，都影响着物体的美感。
从材质上来看，绳带给人的感觉比较的坚硬，而且通过光影，绳带产生的立体感，给人以很强的视觉冲击力，绳是因为由多股的线拧结而成，它的质感完全取决于原材料的特性，近年来，材料被艺术家们当作最为直接的表现思想和观念的媒介，具有了独立的审美价值。绳带的材质就是体现其美感的重要因素。
二、绳带在服装实用与装饰方面的广泛应用
绳带在服装上出现的很早，甚至在服装还没有正式出现以前，人类祖先就懂得用绳子一类的东西将兽皮捆绑在身上用以防护和御寒。几千年来，绳带一直在服装上大量使用，其中很多形式沿用至今，原因很明显，一是它的实用性，实用简单，不需要复杂加工；二是它是纤维物质，柔软、易塑型，与整体服装和谐统一；三是它自身具有视觉美感，有极强的装饰效果。
在以前的服装中，绳带主要是用来连接衣片，以实用功能为主；而随着历史的不断变迁，绳带越来越多的用在服装中起到一定的装饰作用，甚至有的服装完全脱离了实用功能，完全起到一个装饰作用。回顾服装历史，我们不难发现绳带在服装中运用的非常广泛，从春秋战国开始，绳带在服装中就有一定的装饰作用，而中国古代的汉朝服装就主要用绳带系结，给人一种潇洒、飘逸的感觉。值得一提的还有古代的“大带制度”，其他民族的服饰中，同样运用的非常广泛，古希腊的希顿，古罗马的丘尼卡，都是在简单而宽大的布料上，既有保暖和方便的作用，同时又形成了优美的衣褶。信奉基督教，天主教的新娘结婚所穿用的白色婚纱，经常有大量的缎带、蕾丝花边、蝴蝶结等作装饰，非常漂亮。日本和服上的腰带也十分有特点，因为腰节的提高，使日本妇女较为短粗的下半身在视觉上变得修长了。朝鲜族传统的长裙，简洁、飘逸，胸腔宽大的蝴蝶结成为朝鲜族服装最显著的特征。
在现代服装设计中，绳带的运用可以说是极其广泛，其形式和功能多种多样，服装风格也千变万化。不管是在造型方面，还是做装饰用都起到很重要的作用。也不论是与主题相连接还是与服装分离，都运用自如；对比，统一，简单，复杂……绳带也不仅仅是在服装中出现，在服装配饰中也能经常发现它的踪影，而发带、颈带、吊带、腰带、裙带、绑腿、鞋带等的样式就更为丰富多彩。
三、从现代服装上千姿百态的绳带看当今的社会观念和时尚趣味
服装是社会时尚的风向标，不同时期、不同民族的服装发展都可以反映出当时社会观念和时尚趣味。中国唐代经济发达，社会开放，其文化艺术发展昌盛，所以唐代的女装有袒胸、裸臂、批纱，是历代最为华贵和开放的。在西方，洛可可时期的女装使用紧身衣和裙撑塑形，装饰缎带、花边甚至人造花，是“人工美”登峰造极的代表，与那个时期上流阶级奢华无度，女性挖空心思取悦男性的社会风尚有直接关系。从近几年的时装发布会上来看，许多的时装大师都将绳带运用在他们的作品中，逸飞时尚、ONLY尽管是两个风格各异的品牌，但今年夏季都不约而同地将绳带设计运用到服装剪裁的灵感上。那么，他们为什么如此偏爱绳带呢？而频繁出现的绳带又与时尚潮流又有什么关系呢？当今服装上的绳带千姿百态，正好符合了现今的时尚潮流和趣味，集中反映在以下几个方面：（一）、 绳带其简单的特质，符合人们返璞归真，保护自然的心理随着社会的不断发展和进步，人类环境也遭受了一定程度的破坏。20世纪八十年代，环保，回归自然的观念在世界范围内引起了人们的关注，同时也引起了设计师们对自然的、纯朴的材料的迷恋。绳带那种朴素的造型和原始的肌理，似乎是原始社会存留下来的一种精神观念，因而成为人类保护地球、崇尚自然主题下的象征符号。（二）、 绳带随意、活泼，体现了现代人对穿衣的轻松娱乐的态度。 服装设计是针对人体着装的一种设计，它比任何一种艺术更贴近人本身，纯艺术只是供人欣赏，工业品只是供人使用，只有“服装设计”才是一种人们可以参与的艺术，它可以根据不同的人而产生不一样的艺术效果。正是因为这种人衣结合的特点，才使得人们更加关注服装，同时也是关注自身。从某种意思上来说，着装即是生活、社交的一种必需，同时也是一种自娱自乐。特别是在某种场合，人们对于服装的态度不再那么严肃，有的时候甚至抱有一种娱乐、自嘲的游戏态度，在高节奏的生活中给予自己和他人以身心上的放松。而绳带因为其随意性、小巧性，能悬挂、垂直于主体服装之外，能够扫除一切冷漠的严肃感，因而很容易成为“娱乐”的道具，最大限度的满足了人们的娱乐心理。（三）、 绳带的纤维最适合展现女性妩媚、性感的气质。近年来，中性服装风格越来越受到人们的亲睐，而如何去表现女性的柔美成为服装装饰中一个非常重要的环节，此时，各种各样透明的、镂空的、轻软的材料粉墨登场。而绳带的纤柔性最适合展现女性妩媚，性感的气质。它的随意性，线性特点能给予服装无尽的想象力。它婉转、轻柔，温文尔雅、又魅惑无比，无论是简单地交叉，还是捆束打结，透过依稀的绳带而裸露的肌肤，远比直白的袒胸露背要性感得多。（四、 绳带装饰的大量运用是后现代装饰主义回流的反映。装饰是人们对于美的追求的体现，在人类文明和社会发展的同时，人对于自身个体意识的宣扬与尊重，都要通过装饰来得到补偿和满足。从艺术的角度来看，装饰是人类历史上出现最早的艺术形态，也是最普通、最大众化的艺术形式。实用工艺是人类历史上最古老的艺术种类之一，早在原始社会，人类祖先就用兽骨、象牙、羽毛等来装束自己。装饰的发展证明了文化的繁荣，人类的文化意识推动了装饰的进步。
19世纪兴起的现代艺术设计曾极力否定和排斥技术以外的装饰，因其过于追求理性、简单，缺少对人的情感的关心，最终导致了人们的不满。于是，有人开始怀念“手工艺”、“后现代”的装饰主义则重新认识装饰，注重人文关怀，追求一种装饰的、历史的折衷主义风格，以满足人们对美的需求和愉悦。体现在服装上，就是借助各个时期的装饰样式，以具体形象或象征性符号的方式呈现出来。打结、悬垂、交叉、抽穗……绳带在服装史中的各种手法在现今的服装上层出不穷，似曾相识又不完全是历史的翻版，这正是后现代概念中怀旧的装饰主义的体现。(五)、 绳带在服装设计中的多样性，能够满足当今多元并存、展现个性的要求。随着科技的高速发展，社会物质财富日益丰富，人们的精神需求也越来越高涨。尊重个性、尊重情感成为一种普遍的要求。人们更主张具有个性化、多样化、甚至充满奇异幻想的语言。服装也是如此，复杂的、变异的、模糊的都不要紧，关键是要有新意、有个性。这也是“后现代主义”提倡的以多元性发展代替单调性的观点的一种表现。绳带自身的各种特性，多变的造型、丰富的材料和装饰手法，加上它与服装在色彩、质地、位置、大小等方面形成对比统一，与服装产生了多样多变的服装风格。温柔、粗犷、高贵、淳朴、古典、现代……
绳带是服装设计中使用与装饰的尤物，既古老又清新。绳带自身的变化能够带给服装无穷无尽的变化。人们喜爱绳带，因为它很美，因为它多变。透过服装上千姿百态的绳带，能够品味到当今时尚的气息，领悟到社会文化的潮流。当然，服装是一个有机的整体，在进行服装设计时使用绳带一定要把握分寸，注意整体的和谐。很多很好的设计，看似不经意的绳带运用，实际上却包含了设计师对造型、色彩、结构、材料等多方面的构想和推敲。
参考文献：
［１］现代汉语词典.北京：外语教学与研究出版社，2004-01-01
［２］周锡保.中国古代服饰史.北京：中国戏剧出版社，1984
［３］张乃仁，杨蔼琪.外国服装艺术史.北京：人民美术出版社，1992
［４］李军.希腊艺术与希腊精神.河北：河北教育出版社，2003
［５］杨越千.时装流行的奥秘.北京：中国社会科学出版社，1992
［６］靓点“煮”衣.北京：中国时代经济出版社，2006

H. 色彩在服装设计中的使用

不要穿太紧身的服饰，夏季服装搭配，，‘’aircloset ‘’就是教你穿衣搭配的伀众号了，9.9元订购五套品牌女装和搭配全套衣服,服装色彩尽量明亮柔和，太深太暗的色彩反而更显瘦弱。可选穿一些横条、方格、大花图案的服饰，以达到丰满的视觉效果。①.最主要的是肤色和身材。黑色皮肤不宜穿亮色衣服，宜穿黑、白、墨绿、红、银灰。白色皮肤就比较随意了。
②.另外搭配要合适，黑色、黄色宜搭配在一起，里边是白色，外面可以任意搭配，里面穿黑色，外面宜穿黄色或红色。里面红色，外面宜穿米黄色。里面穿紫色，外面宜穿银灰。牛仔裤上身搭配比较随意。
③.偏瘦的人比较适合穿牛仔、休闲裤，不适合穿西服。偏瘦的人宜穿带横杠的衣服，偏胖的人宜穿带竖杠的衣服。
相信你也知道，黑白灰作为最经典的色彩，常常被我们用来作基础百搭的颜色。黑色是显瘦界的第一名，白色感觉最干净，灰色则是一个神奇的高级颜色，似乎没有哪个颜色和灰色冲突，而卡其色则让人看着很舒服。

浅卡其色搭配黑色。
浅卡其色裤子搭配黑色上衣，女生穿起来也是中性风满满，看起来会非常有气场哟~
卡其色上衣搭配白色裤子。
白色几乎能够和任何颜色搭配，卡其色配白色整体是文艺的气质，卡其色上衣搭配白色裤子，不费力的时髦感，大面积的白色弱化了卡其色的色值，整个造型都透着淑女娴静的气息！
黑色搭配驼色。
黑色给人一种稳定的感觉，而驼色则显得高雅，黑色和驼色搭配在一起，更显示了女人的优雅。
邻近色系的搭配
邻近色系的搭配，卡其色配杏色和米白色！属于甜美与率性的高效结合，轻松穿出时尚大气范儿，是不是还有一种名媛的感觉，整体是非常高级的配色呢！重点是这种颜色不怎么挑肤色，饱和度低一点，黄皮也可以驾驭。
驼色搭配白色。
这样的搭配可以选择白色或者是驼色作为主导色，然后用另外一种颜色作为次色。看起来像是单一色调，却又有那么一块地方不是。
黑色搭配军绿色。
最简单的就是军绿色搭配黑色，黑色百搭绝对没错，而且黑色很容易激发出军绿色的质感和高级感。对于较胖的人而言，穿衣就要尽量让自己显瘦，故穿衣不能穿太紧身的衣服。以宽松随意些为好，衣服领以低矮的v型领为最佳，裤或裙不宜穿在衣服外边，更不能用太夸张的腰带，这样容易显出粗大的腰围。在颜色上以冷色调为好，过于强烈的色调就更显胖了。忌穿横条纹、大格子或大花的衣服。
对于矮的人而言，希望通过服装打扮拉长高度，故上衣不要太长、太宽，裤子不能太短，裤腿不要太大，裤子宜盖着鞋面为好，服装色彩宜稍淡、明快柔和些为好，上下色彩一致可造成修长之感。服装款式宜简洁，忌穿横条纹的服装。v型无领外套，比圆领更能营造修长之感。简洁连衣裙可以提高腰线，忌用太阔的腰带。对于高大的人而言，在服装选择与搭配上，应注意：上衣适当加长以缩小高度，切忌穿太短的上装。服装款式不能太复杂，适宜穿横条或格子上装。服装色彩宜选择深色、单色为好，太亮太淡太花的色彩有一种扩张感，就显得更大了。体型肥胖者：宜穿墨绿、深蓝、深黑等深色系列的服装，因为冷色和明度低的色彩有收缩感。颜色不宜过多，一般不要超过三种颜色。线条宜简洁，最好是细长的直条纹衣服
今天给大家推荐一款非常百搭的吊带衫，也是衣柜必收的一款装备。首先我们的这款吊带衫是选择了最万能百搭的黑色，这样让你无论搭配什么风格或者颜色的衣服都毫无压力。在面料上选择的不是贴身，而且是一个比较修饰轮廓的一个比较宽松的一个款式，面料是弹力的，而且是比较透气的一款面料，这样在穿起来会比较舒服。

I. 服装设计从哪里学起

因此想从事这一行没有特别成行或者固定的套路，下面根据米兰国际时尚设计学院多年从事服装企业经验和教学的资深导师总结，来给大家说说说从事这一行需要的一些技能，下面列到的每一条都能帮助到你干这一行，当今的服装设计人才供不应求，说不定下一个时尚大咖就是爱穿滑板鞋的你。

1，美术功底。大部分服装设计师第一份工作大多从画图稿、样衣开始的，因此服装设计师的画笔就像猎人手里的枪，能不能打到鸟不一定，但是能够给人以专业感和威信感。

2．熟悉面料、材质。这是需要跑市场的，从丝质、太空棉及各种高科技复合面料、棉麻、数码印花等都需要有较为清晰的认识，现在服装产业发展相当迅速，脱离原材料市场谈服装形态、质感或者标志性符号如无源之水，这方面的知识不仅仅要从书本上学习，更重要的是要多去市场进行调研，了解面辅料等知识，对于从零开始学服装的盆友来说，市场是相当关键的环节。

3.对色彩的把握。掌握好色彩基础，是为以后的服装设计提供依据，也为以后服装设计的色彩搭配打下坚实的理论基础。

4.良好的沟通。当设计稿选定后，需要采购面料、打版、雕版、样衣、大货等一系列环节，都是与不同的人来交流，设计师需要将设计理念、风格等都要传达到每一道经手的人，每一环节的小失误都会影响成衣的品质。

5.审美。审美在服装设计工作中的重要性在这就不赘述了，应该是放在前面说的，但是这一部分相对其他几项来说，太！抽！象！抽象到连国外毕达哥拉斯、康德，国内的朱光潜、李泽厚等人都没有形成较为成型客观评价体系和依据。而对于服装设计师来说审美确实相当关键的，建议从零开始学服装设计的，要多看看服装大牌设计师的经典的、成型的部分，多关注时尚、色彩等内容慢慢培养。